martes, 28 de enero de 2014

MUERE PETE SEEGER, INSOBORNABLE CONCIENCIA "FOLK" DE ESTADOS UNIDOS

El País, 28/01/2014

[Otra mala noticia...]


En el prólogo de su libro La otra historia de los Estados Unidos, recordaba el historiador estadounidense Howard Zinn, en el momento de referirse al relato humano de su propio país, las palabras de Albert Camus en las que afirmaba que en un mundo de conflictos, de verdugos y víctimas, la función del hombre pensante debe ser no estar nunca en el lado de los verdugos. Extrapoladas estas palabras al mundo de la música, Pete Seeger, fallecido ayer a los 94 años en la localidad de Beacon, en el Estado de Nueva York, fue la gran conciencia de Estados Unidos a través de centenares de canciones, que documentaban las injusticias, las luchas y los sueños de la sociedad civil norteamericana en el siglo XX.

Hijo de un musicólogo y una violinista, Seeger nació en Patterson, en Nueva York. Aprendió los rudimentos del ukelele a través de clases privadas en el colegio pero su verdadero interés por la música le vino después de que sus padres se separaran. Su padre y su madrasta, la compositora Ruth Crawford, coleccionaban y tocaban en casa viejas canciones folk, recopiladas por John y Alan Lomax, los grandes arqueólogos de la música tradicional norteamericana. Un joven Seeger se empapó de todo ese ambiente al tiempo que se aficionaba a instrumentos de corte rural como el banjo, que más tarde se convertiría en su seña de identidad sonora.

Antes de dedicarse de lleno a la música, Seeger quiso ser periodista y estudió en Harvard, donde pronto dio rienda suelta a su activismo político y fundó un periódico de corte comunista. Pero dejó los estudios a los dos años para viajar a Nueva York y conocer, de la mano de Alan Lomax, al fiero cantante de blues Leadbelly. Fue su pasaporte definitivo al mundo de la canción. El propio Lomax dijo que el folk moderno nació el 3 de marzo de 1940. Fue el día en que Seeger conoció a Woody Guthrie en un concierto benéfico por los trabajadores inmigrantes. Ambos pusieron en común su necesidad de transformar la realidad social a través del folk, al que añadieron nuevas texturas y una vena muy combativa en el grupo Almanac Singers.

El grupo, abierto a varios músicos, tenía su epicentro en Greenwich Village y tocaba canciones pacifistas. Sus integrantes formaban parte del ala de la izquierda liberal, combativa y minoritaria estadounidense que en un principio se opuso a la entrada de Washington en la Segunda Guerra Mundial, más cuando Stalin pactó con Hitler en 1939. La participación en la guerra significaba ir contra la Rusia comunista. Sin embargo, los Almanac, influenciados por Guthrie, terminaron apoyando la lucha contra el nazismo para dar sentido a sus ideales de transformación global. Pero, después del ataque japonés de Pearl Habor en 1941, el FBI intensificó sus persecuciones comunistas y la sociedad receló del discurso de los cantantes. Los Almanac Singers dejaron de actuar.

Junto con Lee Hays, exmiembro como él de los Almanac Singers, formó The Weavers, que contó también con Ronnie Gilbert y Fred Hellerman. Bajo el techo de Decca Records, profesionalizaron su situación y dejaron entrar arreglos orquestales que les permitió alcanzar mayores audiencias con su folk coral. En los primeros cincuenta, se convirtieron en estrellas nacionales. Canciones como Kisses Sweeter Than Wine o So Long (It’s Been Good to Know Yuh) fueron algunos de sus éxitos, aunque otras composiciones como If I Had a Hammer o Goodnight Irene gozaron de mayor acogida entre la comunidad folk. Sin embargo, Seeger dejó el grupo después de que grabasen un anuncio para la marca de cigarros Lucky Strike.



Tanto con los Almanac Singers como con los Weavers, Seeger desarrolló su capacidad para crear un cancionero vivo, cosido a los retazos de la tradición y al impresionante coral de sonidos populares de su país. Acompañado simplemente con su guitarra o su banjo, se dedicó a frecuentar cafeterías, universidades, campus de verano o iglesias. No tardó en convertirse en una de las voces más autorizadas de la escena bohemia y activista del Greenwich Village de Manhattan, que trajo el renacimiento del folk, alumbrando a dos de sus grandes profetas en los sesenta, Bob Dylan y Joan Baez.

Fue perseguido por las autoridades norteamericanas por sus ideas políticas y su antigua pertenencia al Partido Comunista, en el que ingresó en 1942. El músico había sido director de la organización People’s Songs, que tenía el objetivo de difundir música popular y canciones a favor de la solidaridad obrera. Con la excusa de formar parte de esta organización, tuvo que pasar por los interrogatorios del comité del Senado que presidió el senador republicano McCarthy, de marcado carácter conservador, durante la famosa caza de brujas para detener a sospechosos de ser agentes soviéticos a mediados de los cincuenta. Seeger se negó a declarar, acogiéndose a la primera enmienda de la Constitución. Fue sentenciado a un año de prisión en 1961 pero una corte desestimó la acusación. Las organizaciones civiles y la comunidad folk más comprometida vieron en él a una especie de héroe.



Durante los sesenta, se involucró en la lucha por los derechos civiles de los negros apoyando a los activistas. De hecho, uno de los himnos del movimiento, liderado por Martin Luther King Jr., fue una de sus canciones We shall overcome, que realmente era una variación que hizo de un viejo canto espiritual del góspel. Y, antes de que la Guerra de Vietnam se convirtiese en un asunto nacional, en parte porque no paraban de llegar ataúdes con jóvenes soldados caídos en suelo vietnamita y estos no querían ser reclutados, Seeger se opuso con vehemencia a la intervención militar estadounidense. Dedicó una feroz canción al presidente Lyndon Johnson a mediados de los sesenta por su agresiva política exterior, llegando a ser censurado en televisión.

Amante de las esencias del folk, reacio a la modernización del género, lo que le llevó a tener una audiencia cada vez más reducida, el nombre de Seeger también está asociado a una de las leyendas más conocidas de la música norteamericana, aquella en la que se cuenta que intentó con un hacha cortar los cables de la guitarra eléctrica que Bob Dylan utilizó durante su actuación en el célebre festival de Newport de 1965, cuando el bardo de Minnessotta empezó su revolución sonora que le llevaría a convertirse en una estrella pop a la altura de The Beatles. Varios testigos de aquel concierto han desmentido con los años tal suceso, aunque nadie ha dudado nunca del aguerrido cáracter de Seeger, quien a veces tenía demasiadas malas pulgas.



Sin dejar nunca de componer y recuperar composiciones tradicionales, cantó para el movimiento obrero, apoyó la lucha por el medio ambiente y clamó contra las campañas belicistas. Destinó los beneficios que le reportaba la canción We shall overcome a organizaciones que apoyaban a los afroamericanos más desfavorecidos en el sur. Nunca separó su ideario político de su música, llegando a dedicar un disco a las Brigadas Internacionales en la Guerra Civil Española. Junto con Bruce Springsteen, quien le rindió tributo en su disco We shall overcome: The Seeger Sessions, actuó en 2009 en el Memorial de Lincoln en el concierto inaugural de la presidencia de Barack Obama.

Antes, en 1994, Bill Clinton le había concedido la prestigiosa Medalla Nacional de las Artes por su contribución a la cultura norteamericana. Por su 90 cumpleaños, se celebró un concierto homenaje en el Madison Square Garden en el que propio Springsteen le presentó como "un archivo vivo de la música americana y de su conciencia, un testamento del poder de la canción y la cultura”. Allí se dieron cita Emmylou Harris, Joan Baez, Roger McGuinn de The Byrds o John Mellencamp.

A decir verdad, resulta muy difícil encontrar en el panorama musical de hoy en día gente de la pasta de Pete Seeger. Músicos que en sí mismos son savia de Norteamérica por su discurso popular, su obra a pie de calle, su influencia en varias generaciones y su compromiso con su arte y su entorno. En definitiva, resulta muy difícil, en este mundo de consumo instantáneo, en el que pocas cosas parecen perdurar, captar el tamaño y el corte de la figura de Seeger, el músico que decía de su humilde guitarra: "Este instrumento atrapa el odio y le obliga a doblegarse". Era su espada, blandiéndose siempre contra los verdugos.

viernes, 10 de enero de 2014

LUMERIANS. "TRANSMALINNIA" (2011). Space rock desde las catacumbas de San Francisco


San Francisco siempre fue una ciudad abierta a los movimientos de vanguardia. Durante los años 40 y 50 del siglo pasado Frisco se convirtió en la meca de los beat y en los 60, con la explosión psicodélica, fue el centro del hippismo y de toda suerte de movimientos contestatarios (ahí están por ejemplo los Diggers y sus transgresoras performaces callejeras).  Durante los 70 la ciudad del Golden Gate vio desarrollarse en su seno grupos de avant-garde como The Residents o Tuxedomoon. Pues bien, en la actualidad el enésimo relevo generacional viene de la mano de Lumerians.


Lumerians fue formado en 2006 por los músicos Tyler Green, Marc Melzer, Jason Miller y Chris Musgrave. Su música es un explosivo cóctel de psicodelia, krautrock, space rock y experimentalismo a raudales. Su puesta en escena es todo un espectáculo audiovisual con proyecciones multicolor, referencias a la ciencia ficción y, a veces, va acompañada de una extraña indumentaria que recuerda a la actitud sobre el escenario de los Residents (los músicos llevan el rostro oculto tras máscaras y visten lo que parecen hábitos de monje). 


En 2011 Lumerians registraron el LP Transmalinnia, una extraña joya del rock experimental. Con títulos en los que hay guiños a la psicodelia, a la ciencia ficción, a lo onírico y al futurismo Lumerinas erigieron 9 colosales monumentos al space rock sobre maquinales ritmos kraut y ello aderezado con atmosféricos efectos de sonido y teclados y guitarras lisérgicas. Otra característica del álbum es que, como suele ser típico del género, predomina lo instrumental sobre lo vocal. Abre el LP el ritmo "motorik" de "Burning Mirrors" en el que se invocan a los fantasmas tanto de Neu! como de Suicide. El segundo tema, "Black Tusk", tiene un riff tribal e hipnótico que recuerda a Faust aunque también a sus paisanos de la costa este Oneida y The Liars, campeones del avant-garde neoyorquino. La siguiente pieza, cuyo nombre, "Xulux", posee inequívocas resonancias alienígenas, es enteramente instrumental, más larga y de estructura más compleja. Empieza con claras referancias al krautrock, a la repetición maquinal de la electrónica y a los efectos de sonidos del prog-rock. De repente un alarido marca una ruptura del ritmo digna de los Sonic Youth y un teclado lisérgico nos transporta a la gravedad cero propia del más estratosférico rock instrumental de finales de los 60. Es el culmen de la vena más específicamente space rock del LP.


Por su parte, "Atlanta Brook" se apoya más, no tanto en las influencias kraut/avant-garde de la banda, sino en las psicodélicas. Así, tenemos una clara influencia de los primeros Pink Floyd en los teclados, en el trabajo vocal y en los coros, especialmente en estos últimos, que parecen haber sido tomados prestados del colofón de aquel gran "Mathilda Mother" incluido en el primer álbum de los Floyd con Syd Barrett. Además un observador perspicaz no puede pasar por alto el parecido de la portada de este Transmalinnia y la del A Saucerful of Secret de Pink Floyd. En este caso estamos ante el momento álgido de la vertiente más lisérgica del álbum.


Con "Melting Space" retoma la banda los temas instrumentales y la influencia del rock cósmico alemán, especialmente de Faust. Centrado en la faceta más avant-garde del combo, el siguiente tema es otro instrumental, solo que más abrasivo y ruidista, que debe tanto a los primeros Kraftwerk (cuando aún no hacían tecno) como a Glenn Branca o a las bandas de la No Wave neoyorquina. También instrumental, "Hashashins", parece un híbrido entre Man or Astroman? y los Residents y tiene un toque retrofuturista sesentero y de banda sonora de ciencia ficción de serie B, toque que le quita pesadez al conjunto del álbum.


Por su parte, "Longwave" es una suite de drone music y vanguadismo industrial que puede remitir a experimentos sonoros más lejanos en el tiempo, como los ruidos de máquinas (motores, turbinas, sirenas de fábrica, etc.) grabados por músicos futuristas italianos como Luigi Russolo. Con mucho, es el tema más arriesgado y más largo (9 minutos) del LP, LP que cierra con broche de oro "Gaussian Castles", cuya base rítmica y ambiente tenebroso hace pensar a uno en el "Atmosphere" de Joy Division y en las voces como de ultratumba de Mayo Thompson en aquel "Hurricane Fighter Plane" del primer álbum de The Red Crayola. No hay que perder de vista, en definitiva, a esta nueva banda.


jueves, 2 de enero de 2014

DAVID EUGENE EDWARDS: THE PREACHER (Documental)


La cadena de TV holandesa VPRO realizó en 2000 un impresionante documental sobre David Eugene Edwards carismático líder de los extintos 16 Horsepower y de Woven Hand, su actual banda. El documental nos acerca a la inquietante personalidad de Edwards y nos ayuda a entender el por qué de esa música oscura y espesa que practica. Nacido en un ambiente familiar extremadamente religioso, nieto de un riguroso pastor de la Nazarene Church de Colorado (que prohibía a sus fieles escuchar rock o incluso ir al cine o bailar), hijo de un padre alcohólico que murió de leucemia cuando él tenía 6 años y de una madre deprimida y desencantada con el rigorismo religioso, el líder de Woven Hand recibió una herencia de angustia que plasmó en un collage sonoro que mezcla el folk americano con el rock más oscuro (Joy Division, Gun Club, Nick Cave And The Bad Seeds). Uno puede no compartir los planteamientos religiosos de Edwards pero tiene que quitarse el sombrero ante esa hiriente sinceridad que ha hecho de su música algo tan singular.

Lo siento por los que no entienden la lengua de Shakespeare pero el documental que cuelgo a continuación no tiene desperdicio.




domingo, 29 de diciembre de 2013

FLAMIN' GROOVIES: LA MEJOR BANDA DE ROCK AND ROLL

Más truenos, 02/02/2013


“Los Groovies son la mejor banda
de rockandroll de todas las mejores
bandas de rockandroll”

Jaime Gonzalo, ex-director de Ruta 66

Si esto lo decía a propósito de “Way over my head”, pieza de pop incandescente pero menor y ya de su última y menos satisfactoria etapa, qué hubiera dicho de comentar alguno de sus temas mas logrados y flamígeros.

Es verdad que esto es una afirmación maximalista, realizada por un fan enfebrecido al toparse con un nuevo artefacto groovico, pero qué sería del rock sin alabanzas desmedidas como éstas, sin esos egos más consistentes que la ciudad de Petra, ¡¡si hasta Liam Gallager, el payaso de los Oasis se autoproclamaba a la altura de Lennon y Elvis!

Como siempre, como en todo estas manifestaciones epopéyicas alimentadas por la subjetividad más recalcitrante habrá que considerarlas a medias y acompañadas de una sonrisa de complicidad; ponderadas según el criterio y las sensaciones de cada cual, habremos de asentir el aserto que ya nos regalara nuestro antiguo profesor de Química de segundo de BUP, Don Manuel Serrano, de que “nada es verdad ni mentira, sino que todo depende del color del cristal con que se mira”.

Sí es cierto que los Groovies fueron (lo que queda ya sólo es un remedo insignificante de su grandeza pretérita) una banda ejemplar en las actitudes, talentosa y exquisita a la hora de la revisitación y memorable en la composición. Consiguieron como pocos conjugar la eterna y determinante dualidad Stones-Beatles con una clase inigualable, respetaron la tradición y fomentaron una devoción desmedida por el rock and roll clásico cuando todo empezaba a fenecer en pos de un sinfonismo inane, fueron vehementes en la interpretación en directo, donde alcanzaron su verdadero potencial y se autoexcluyeron de la dictadura de las modas de las cuales siempre renegaron. Ante todo fueron fans que hicieron de pasión virtud, que tocaban música para divertirse y poder escapar de la rutina que atenaza la vida de la mayor parte de los mortales; fueron festivos y hedonistas y buena parte de su mundo se reducía al aspecto lúdico de una existencia en la que no dudaban en perseguir cabezas adolescentes alocadas con canallas como Kim Fowley o proclamar en brillantes canciones que era frenética acción lo que necesitaban para estar eternamente felices y dichosos.

Los descubrí a propósito de “One night stand”, un refrito de antiguos éxitos, producido desde Australia por un fan, Meter Noble, que les dio la penúltima oportunidad donde resarcirse de un pasado reciente drogota y de expolio en los derechos de autor. En “One night stand” estaban confinadas perlas del calibre de “Shake some action”, “Slow Death” y algunas, magníficas, versiones de héroes como los Hoodo Gurus, The Who o Paul Revere and the Raiders. Informado de que en la banda sólo había dos componentes originales, Jordan y Alexander, y de que el guitarra y el batería eran dos mercenarios jóvenes a sueldo que estaban en las antípodas estilísticas de antiguos groovies, me dispuse a zambullirme en el universo de los de San Francisco sin dudarlo ni un instante. Si con esos mimbres “One night stand “ era un engendro altamente elocuente y disfrutable, me chupaba los dedos de sólo pensar lo que me podría encontrar accediendo a sus referencias míticas, aquellas acompañadas del semiactor Roy Loney o con el armonioso Wilson en su fecunda etapa británica al cobijo del gran Dave Edmund .



A partir de entonces me convertí en un fanático de los Flamin’ Groovies, adoptando en su nombre mi pseudónimo de guerra en cuestiones rockandrolleras, persiguiendo cualquier disco, reseña literaria, noticia en la que se descifrara los porqués del mito que les acompaña como leyenda de culto. Incluso durante años lucí orgulloso camiseta serigrafiada, vía fotocopiadora chapucera, con el frontal de esa obra maestra 5 estrellas, ese alegato guitarrero con más cool que la discografía completa de Miles Davis, que atiende por Now.

Me hubiera gustado extenderme más, contar algunas anécdotas que me ocurrieron en su nombre, mis problemas con una casa de discos de Madrid donde me hice con el Supersnazz o cómo gastarse los pocos dineros que se tienen de estudiante en importar discos desde Australia a más de 12 euros de los de 1988, pero el tiempo apremia.

Acompañaré no obstante toda la discografía oficial de los geniales…FLAMIN’ GROOVIES!!!!



Sneakers (1968)

Extended Play grabado en 1968, primera referencia groovie después de dejar atrás el nombre de Lost and found. La influencia del frontman Roy Loney, célula rockandrollera del grupo y artista diletante, se deja notar. Siete temas que divergen estilísticamente entre el country rock (“Golden clouds“) hasta el ragga ( “My yada“) pasando por el r&b psychedélico west coast (“The slide“) o el beat irresistible ( “I’ m drowning”). Los Groovies todavía parecían más una orquesta de salón capaz de poder con cualquier cosa que una banda que decididamente ha encontrado su rumbo.

Aún así debe considerarse un frugal y sabroso entremés.

Supersnazz (1969)


Si alguien ha comprado alguna vez en la tienda de Madrid Escridiscos le sonará la portada ya que es utilizada como bolsa de compra. Su mejor carátula y la más definitoria de la idiosincrasia groovie: 5 muñecos con sonrisas de oreja a oreja asiendo botellas de gas, cubos ardientes y cartuchos de dinamita a modo de baquetas. Ese espíritu festivo e incendiario que he comentado antes te lo encontrarás a espuertas en este magnífico decálogo de rock and roll mueve pistas ideal para poner patas a arriba cualquier fiesta mortecina y crepuscular. Sigue mandando Loney (no hay pega si firma temazos como “Love have mercy” o “The first one free“) dejando a Jordan algunas cositas de menor relevancia (“A part from that“,”Brushfire“). Entre tanto, el sándwich se complementa con algunas correctas versiones de clásicos americanos y con una excelente muestra de su poderío en las baladas (“Laure did it“).Los cimientos empiezan a ser firmes y el grupo se encuentra preparado y excelentemente engrasado para abordar empresas de mayor calado: los extraordinarios Flamingo y Teenage Head.

Flamingo (1970)

Abandonada la estancia en Epic la banda es acogida por el label Kama Sutra, cuyo primer trabajo es este fantástico Flamingo. Uno de los pilares de la leyenda Groovie, rellenito de potentes rockandrolles al modo Loney (“Gonna rock tonite“, “Second Cousin“), elocuentes y salvajes muestras de lo que una banda en plenitud de facultades puede llegar a conseguir con dos guitarras (vaya duelo entre Tim Lynch y Ciryl Jordan), bajo y batería y de cómo el punk comienza a tomar forma bastantes años antes de que Rotten y cía escupan por primera vez al público (“Headin for the Texas border“, “Road house“). Estos tíos son unas monstruos y le pegan por igual a los estandars littlerichardianos (“Keep a knockin“) que al rockandroll, que definiendo el protopunk, como de forma inopinada e insospechada se atreven y bordan una suite psychedélica a mayor gloria del sonido Canterbury.

Están en la cima de su poderío y todos nos hemos dado cuenta.



Teenage Head (1971)

Considerada por muchos la obra capital de los Groovies etapa Loney (después de este trabajo se larga con los Phantom Movers para seguir pergeñando rockandrolles chisposos y rutilantes y renacer su etapa teatral con viejos conocidos como el actor de la película Cabaret). Sea así o no Teenage Head es tan obligatorio como Flamingo y Supersnazz y tan bueno como cualquier excelente disco que puedas llegar a recordar. Quizá sea su disco más homogéneo estilísticamente hablando, el mejor secuenciado y el más claramente stoniano, lo que pueda haberle convertido en el más apreciado y valorado. Razones, como siempre, no faltan. Desde la slides de “High Fying Baby” hasta la sentida y exilemainstreetiana “Whiskey woman” todo encaja con perfecta sincronización. Teenage es rock setentero americano , ése que macera con certera combinación country, blues y garage, ése que llega a las entrañas y te hace seguir estremeciendo y disparando las glándulas sudoríparas y adrenalínicas. Mi debilidad: “Have you seen my baby?” Irresistible y espídico cover del genio Randy Newman. Un 10. A archivar junto al Sticky Finger, el Sailing Shoes de Little Feat y el Second Helping de Lynryd Skynryd.


Shake Some Action (1976)

Primera entrega de su etapa Beat británica producida por Dave Edmunds y su disco más conocido y valorado. Si hacemos caso a lo que se publica por ahí estamos ante el mejor disco concebido por la Invasión Británcia desde 1964, una leyenda del rock and roll desde el mismo momento de su publicación, 1976; una joya atemporal como pocas y el mejor tributo posible a los Fab4 de Liverpool.

Recapitulemos. La marcha de Loney tras Teenage Head, la detención por tráfico de cocaína de Tim Lynch y el abandono del batería Danny Mihm coloca a los Groovies al borde de la desaparición. Pero Jordan es un tipo duro de pelar que no abandona así como así y recluta para sustituirles a Chris Wilson (luego en Fortunate Son y Barracudas), James Ferrell y David Wright. El resultado es más que sorprendente por satisfactorio. Sin la perspectiva impuesta por Loney haciéndole sombra, Jordan se dedica a lo suyo, a componer en compañía de Wilson preciosas canciones pop con magníficas voces en la mejor tradición Everly Brothers, Beach Boys y Beatles de menos de 3 minutos (“Sometimes“, “You tore me down“, “I can’t t hide“) que atrapan toda la magia compositiva de Lennon/McCartney sin perder un ápice de personalidad groovica.

Como he mencionado antes las canciones sintonía beat se imponen, pero queda espacio para certeros disparos rockeros ( “St .Louis Blues” y “Dont’t you lie to me“), recuerdos nada nostálgicos de un pasado feroz. Mención especial merece la canción que titula al disco, una de sus mejores canciones de siempre que es como decir una de las mejores de la historia, la perfecta canción pop, insuperable carta de presentación de un disco espléndido a pesar de excluir uno de sus temas más alabados en ese periodo, “Slow Death“. Totem pop que sin embargo, a mi parecer, se verá superado con la publicación de su posterior trabajo.



Now (1978)

Si Shake es su disco Beatles, este es su insuperada colección Byrds. No albergo dudas, este es el mejor disco de los Groovies junto con Teenage Head, superior a Shake some action y uno de los mejores discos de rockandroll de todos los tiempos. Así, con dos cojones y un palito. Reconforta comprobar como lo atestigua también la Guía esencial del Punk y la Nueva Ola publicada por Rock Indiana.. Si esplendorosa es la versión Byrd de “Feel a whole lot better” cojonuda es “Move it“, si evocadora es “Take me back” impresionante es “Reminiscing“, si impecable es la versión Stones (“Paint it black“) mágica acontece “Dont’t put me on“. Luego están la saltarina y roquera “House of the blue light” y, en fin, para qué seguir. Todo aquí es sublime, perfecto, impecable.¿Y las guitarras?,¡Dios, qué guitarras!, ¡cómo suenan las de “Don’t put me on” y las de “Feel a whole“!. Y es que ésto no es un disco, es un homenaje a mayor gloria de la guitarra en todas sus modalidades.

Si no me crees, si piensa que exagero, deleítate con la foto de contraportada y hazte con este disco cuando vayas a comprarte el próximo. Lo dicho, un 11.




Jumpin’ In The Night (1979)

”Estoy escuchando este álbum después de 20 años, pero cada nota, armonía, guitarra de 12 cuerdas está prendida en mi memoria. Vi a los Groovies una docena de veces en 1980 y en cada show me golpeaba contra las vallas. Recuerdo a los músicos tocar guitarras de 12 cuerdas y bajos de 8. Eso era poder. Eso era pop, pero no power pop, era el Apocalipsis a base de jangle, garage, Beatles, Byrds y Stones. Por aquéllos entonces los Groovies tenían mucho más que ver con The Clash (siempre, afirmo yo. Nda) que con The Knack”. Quien habla así de este disco y de los shows que acompañaron a su publicación no es cualquiera. Es Steve Wynn, responsable de uno de los mejores discos de 80’s, “Days of wine and roses” con su banda “The Dream Syndicate” y un excelente conocedor de la Historia del Rockandroll.

Último trabajo de la trilogía inglesa, Jumpin´ supone un bajón respecto a sus impresionantes precedentes. Como ya dije una vez, no se puede estar firmando obras maestras cada año. Aun así el resultado es más que apreciable. Siguen en sus trece con las versiones de Beatles y Byrds (ahora también acompañan una de Dylan, “Absolute sweet Mary” y otra de Warren Zevon, “Warewolves of London“) y los temas propios son estupendos (“Jumpin’ in the Night”, “First plane home“) aunque no fantásticos. Lo que no ha cambiado son las guitarras que vuelven a ser fantásticas y despegan a la atmósfera tan rápido como el ozono. Jumpin’ supone el punto final a la edad aristocrática y dorada de su existencia. A partir de este momento las deserciones, las drogas y los múltiples problemas con las discográficas harán mella definitiva en la banda. Han sido años de rockandroll, de honestidad y sacrificio, de amoríos por una forma de vida que nunca les juzgó acertadamente y siempre les negó los logros que ellos merecieron. Pero nada de eso importa a los que como yo les seguimos adorando, fieles escuderos de su andanzas, porque ellos representaron mejor que nadie la honradez y la pasión del que ama el rockandroll por encima de todas las cosas. A modo de corolario, de síntesis subjetiva, “no fueron los más grandes pero sí los mejores”.



One Night Stand (1987)

De este disco ya he hablado en la introducción. Finiquitada la productiva y provechosa etapa británica, Jordan se encuentra una vez más solo en compañía de su fiel Alexander. Será otra vez un fan, Peter Noble, el que le rescate del olvido, esta vez desde Australia. One nigth stand es, como no podría ser de otra manera, una trabajo que huele a recalentado, consistente en poner al día las célebre canciones que le otorgaron prestigio y reconocimiento. Ayudados por un guitarrista más cercano al hard que al rock y el beat sesentero y por un eficiente batería, van desgranando éxitos imperecederos (“Shake some action” y “Slow death) conjugados con efectivas versiones de amigos (“Bittersweet“, de Hoodo Gurus) e ídolos de juventud (“Kicks” de Paul Rever and the Raiders) y “Call me Lightning” (Pete Townsed, The Who) aparte de un espídico “Money” y un sensacional “Tallahassie Lassie“. El resultado lejos de defraudar nos vuelva a congraciar con una banda que ha perdido definitivamente la brillantez pero que todavía e capaz de dar coletazos de buen rockandrol y hacernos pasar un rato extraordinario. Pongánle que quien tuvo, retuvo.



Step Up (1991)

Último trabajo original conocido (bueno hay otro por ahí de título Rock Juice que es Step Up modificado) y segunda referencia tras su regeneración australina. Algo más consistente que One night stand pero menos convincente por la ausencia de joyas del calibre etapa Sire. Todavía hay trallazos (“Way over my head“, “She’s got a hold on me“, “Can’t stay away from you“) que harían palidecer toda la discografía de epígonos como Fortunate Son y Barracudas, mas hace tiempo que el duende creativo de enjundia les dejó de visitar. Norma es acompañar la producción propia con excelsas versiones. En este caso los homenajeados, bien es cierto que con poco brillo, son Dave Edmund (“Land of the few“) y una enésima y anodina recreación del “Milcow Blues“. Si en todos sus discos hay alguna sorpresa, las de este son un sentido homenaje a Lennon con título elocuente y parco: “Thanks John” ; y un agradecido tributo a la tierra que les acogió recientemente y les brindó su cariño, “Way down Under“.

miércoles, 25 de diciembre de 2013

THE LEFT BANKE: CAMPEONES DEL SUNSHINE / BAROQUE POP


Gracias al interés que despertó el fenómeno sunshine / baroque pop en la pasada década algunos pudimos conocer a The Left Banke, responsables de algunas de las más cotizadas perlas del género. Principalmente conocidos por la pareja de hits "Walk Away Renée"/"Pretty Ballerina", The Left Banke distan mucho de ser el típico one-hit-wonder que editaba LPs con el éxito de turno y lo hacían acompañar con un montón de versiones de grupos y solistas populares en la época (ya se sabe: un poco de pop al estilo de la British Invasion, otro poco de soul, algún clásico del rhythm and blues, etc.) The Left Banke eran perfectos artesanos de pop barroco de los sesenta y ello lo demostraron en dos álbumes (sobre todo el primero) que no tienen desperdicio alguno, los dos con material propio que, pese a las inevitables influencias, tenía un carácter absolutamente personal e intransferible.

La margen izquierda del Hudson

The Left Banke se formaron en Nueva York cuando se juntaron en los estudios World United el teclista Michael Brown, el guitarrista George Cameron, el bajista Tom Finn, el batería Warren David-Schierhorst, y el vocalista Steve Martin, que en realidad se llamaba Carmelo Esteban Martín Caro y era hijo de la cantaora y guitarrista almeriense de flamenco Sarita Heredia. Dichos estudios de grabación pertenecían al padre de Brown, hecho que marcó la obra del The Left Banke, caracterizada por una meticulosa producción musical consecuencia de la ventaja que suponía de tener un acceso virtualmente ilimitado a unos estudios de grabación.



Con dicha ventaja y con el talento como compositor y sobre todo arreglista de Michael Brown The Left Banke consiguieron facturar un elegante pop sesentero aderezado con una gran variedad de instrumentos clásicos como el violín, el clavicordio o el oboe que elevaron al rock a cotas de refinamiento nunca antes conocidas. Especialmente característicos de The Left Banke eran los arreglos de cuerda que llevaron a algunos críticos musicales a aplicarles la etiqueta de "Bach-rock" en vez de "baroque", aprovechando la similitud fónica de ambos términos en inglés.

Entre sus influencias estaban las bandas de la llamada Invasión Británica, especialmente en su faceta más pop, como los Beatles, los Hollies o Herman's Hermitt. Pero fueron especialmente The Zombies, banda también liderada por un teclista, Rod Argent, quienes con sus armonías vocales y sus elaborados arreglos clásicos y jazzísticos, más influenciaron a los neoyorquinos. A esto hay que sumarle las influencias autóctonas de las bandas pioneras del sunshine pop americano como los Beach Boys, sobre todo del Pet Sounds.


Aléjate, Renée

Después de que los primeros temas de The Left Banke ("I Haven't Got The Nerve", "I Got Something On My Mind") no consiguieran atraer el interés de ninguna compañía discográfica, Michael Brown disuelve la banda y se marcha a California. Pero el resto del grupo recupera un tema que Brown dejó a medio hacer, "Walk Away Renée", y completan su grabación publicándola como single con "I Haven't Got The Nerve" como cara B. Corría el año 1966 cuando "Walk Away Renée" se convirtió en un hit llegando a ser número 6 de las listas norteamericanas. La canción era el arquetipo de la fórmula musical que usaría a partir de entonces The Left Banke: preciosismo en los arreglos orquestales y sonido y letras melodramáticas. En cuanto a la inspiradora de tan bella tonada, no era otra que Renée Fladen, novia del bajista Tom Finn y de quien Michael Brown se había sentido muy enamorado. El morbo estaba servido. Finalmente, ante el inesperado éxito, Brown vuelve y rehace el grupo que graba otro single "Pretty Ballerina/ Lazy Day". Esta vez el single llega al puesto 15 de las listas. No estaba nada mal para una banda que acabaría convirtiéndose en una cult-band con el paso del tiempo.

Pronto llegó el primer álbum, que como ya he mencionado más arriba es una obra maestra del género. Publicado en 1967 y titulado Walk Away Renée/ Pretty Bellerina (se supone que para aprovechar el tirón comercial de estas dos canciones), rompe el hielo con la delicada "Pretty Ballerina" que se apoya en un inolvidable fraseo de piano y un brillante diálogo entre instrumentos de viento y cuerda. "She May Call You Up Tonight", al parecer también inspirada por la citada Renée Fladen, tiene un aire más rhythm'n'blues y está adornada por un excelente juego de voces. También tiene raíces soul y rhythm'n'blues "I've Got Something On My Mind" a pesar de estar atravesada de cuando en cuando por auténtica música de cámara. Por su parte, "Barterers And Their Wives" tiene aires de folk británico y música renacentista.  En cambio, en "Let Go Of You, Girl" tiene marcada influencia del pop jazzy al estilo de The Zombies.  Mucho más americana suena "What Do You Know?" donde The Left Banke ensayan un estilizado country-rock. La fuerza bruta del rhythm'n'blues se vuelve a imponer al refinado barroquismo en "Evening Gown" y en "I Haven't Got The Nerve" mientras que la psicodelia asoma en "Lazy Day" (ese fuzztone suena absolutamente glorioso) y en la melancólica "Shadows Breaking Over My Head". Todas ellas son dignas acompañantes del hit "Walk Away Renée", que abre la segunda cara del disco.

Segunda venida

A pesar del éxito de los dos singles anteriormente citados, esa gran obra maestra del pop barroco y crepuscular que fue el primer LP de The Left Banke solo alcanzó un discreto y decepcionante puesto 67 en las listas de álbumes de EE.UU. Es probable que esto contribuyera a acentuar las tensiones entre Michael Brown y el resto de la banda. Así, Brown se separa de la banda para dedicarse a la composición y a tocar en estudio pero sigue usando el nombre de la banda lo que genera malestar en el resto del grupo. 

Tras la separación Michael Brown edita el single "Ivy, Ivy / And Suddenly" que es boicoteado por el resto de la banda desde su club de fans. Esto causa que el sencillo no fuera promocionado por la compañía de discos y que por tanto tuviera nula repercusión comercial. No obstante, hay que señalar que "Ivy, Ivy" es una hermosísima y misteriosa canción de ambiente onírico y con unos excelentes arreglos de trompeta. Y en cuanto a "And Suddenly" es una buena pieza de pop con influencias soul y con algo menos del habitual artificio gastado por la banda y que tiene un aire como de banda sonora de telefilm de la tarde del sábado.



 
Pero poco después el grupo hace las paces y graban todos juntos "Desiree" la pieza musical más ambiciosa de esta segunda época, donde los arreglos de viento y cuerda parece que proceden de toda una orquesta sinfónica que estuviera respaldando a la banda. Después siguió un segundo LP, The Left Banke Too, al que la critica suele considerar inferior al primero, pero que, si en verdad es inferior a esa obra maestra que es "Walk Away Renée / Pretty Ballerina", es por poco. Cierto es que la artificiosidad es mayor pero es que The Left Banke y eso que se ha venido en llamar Sunshine Pop eran así: o lo tomas o lo dejas. No obstante, la artificiosidad del pop barroco como el de The Left Banke nada tenía que ver con la épica asfixiante del rock sinfónico pues las canciones a pesar de sus sofisticados ropajes no pierden la ligereza del pop y la mayoría no pasa de los 3 minutos.

Sea como fuere, en The Left Banke Too hay pop directo y desenfadado en la pegadiza "Goodbye Holly", hay psicodelia preciosista en "Dark Is The Bark", folk con aires medievales en "Men Are Building Sand", pop jazzy a la manera de The Zombies en "My Friends Today", desparpajo soul en "In The Morning Light", ritmos swing al estilo de los Lovin' Spoonful en "Bryant Hotel" o "Give The Man A Hand", influencias del Sergeant Peppers de los Beatles en "Nice To See You" y baladas con toques progresivos en "There's Gonna Be A Storm".

Ni que decir tiene que este segundo disco tuvo aún menos repercusión que el primero y que motivó la definitiva separación de la banda en 1969. No obstante Michael Brown y Steve Martin se las arreglaron para sacar todavía un single más con el tema "Myrah", melodramática pieza de pop y enésima canción de los Left Banke con nombre de mujer, en la cara A y "Pedestal", puro folk-rock ácido al estilo de San Francisco, en la cara B. Tras años de separación llegó en 1986 una reunión de la banda y un LP, un gesto ya absolutamente testimonial. Últimamente han aparecido algunos miembros de la banda en público juntos, por aquello de la nostalgia. Lo que sí es altamente recomendable es hacerse con una copia del maravilloso recopilatorio There's Gonna Be A Storm con todas las grabaciones de The Left Banke, 26 canciones entre las que no hay ni una sola que se pueda tildar siquiera de mediocre.



Con el tiempo la incomprendida postura musical de The Left Banke, como pasó con The Zombies ensombrecidos por los Beatles y los Stones, se llegó a poner de moda en ciertos círculos del pop alternativo (ahí están los estupendos Ladybug Transistor, también de Nueva York como The Left Banke, para dar fe de ello). Al final va a resultar cierto que el tiempo pone cada uno en su lugar.