LOS LOBOS: CUANDO LA MÚSICA NORTEAMERICANA SUENA A DULCE GLORIA

Fernando Navarro

El País, 31/01/2026

Avalada por Bob Dylan, Elvis Costello o Rubén Blades, la banda de Los Ángeles, referente en su gama de raíces, gira por Santiago de Compostela, Barcelona y Madrid

Son una de esas bandas norteamericanas que bien podrían ser entendidas como una seña de identidad del vasto territorio estadounidense. Uno de esos valores fijos de un país que todavía, pese a los desmanes de su presidente y su equipo de multimillonarios tecnócratas, sigue inspirando grandes ideas en su ancha cultura. Y, por tanto, en su vibrante escena musical. Son Los Lobos, grupo cuyo recorrido artístico destapa las esencias de la mejor música de raíces norteamericana.

Salidos de Los Ángeles a mediados de los setenta, Los Lobos se dieron a conocer a Estados Unidos tras el éxito que cosecharon en 1987 con una versión de ‘La Bamba’, de Richie Valens. A partir de ahí, se mostraron mucho más ambiciosos e interesantes que la banda de folk mexicano que recorría el estado de California como una formación de resistencia proletaria entre la comunidad latina. Discos fabulosos como By the Light of the Moon o Kiko recogían toda una gama de influencias como rock, blues, tex-mex, country, R&B y folk. Obras con sonidos dispares, abrazados a las carreteras secundarias desde la gran metrópoli de Los Ángeles, que reconocieron el talento de sus tres grandes espadas: guitarrista y acordeonista David Hidalgo, el guitarrista César Rosas y el percusionista Louie Perez.

Currantes y orígenes latinos, Los Lobos representaron una estupenda rara avis en la música estadounidense. Se erigieron en una vía propia dentro de la amplia autopista de lo que en España se dio en llamar Nuevo Rock Americano. Amigos de The Blasters, captaban como los propios hermanos Alvin que lideraban The Blasters una alternativa llena de pundonor de roots con envoltorio contemporáneo.

Sin embargo, la banda pasó por años de zozobra y llegaron al siglo XXI con un perfil bajo hasta que fueron otros músicos quienes más hicieron hacer por revindicar su identidad. Siempre favoritos entre otros músicos, colaboraron con varios de sus artistas predilectos en el álbum The Ride, en 2004. Un chute de revitalidad y posicionamiento en la memoria de la música norteamericana acompañados de gente tan espléndida como Mavis Staples, Dave Alvin, Richard Thompson, Elvis Costello y Rubén Blades. Hasta Bob Dylan se los llevó de gira como teloneros.

Hoy, tras casi medio siglo de existencia, David Hidalgo y los suyos siguen siendo un referente de primer nivel de una Americana que suena a dulce gloria en su amalgama de estilos. Giran por España con conciertos en Santiago de Compostela en la estupenda sala Capitol el miércoles 4 de febrero, el jueves 5 en Barcelona en la sala Apolo y el viernes 6 en Madrid en la sala Wagon. Oportunidades perfectas para disfrutar de un conjunto extraordinario.

LA HISTORIA DETRÁS DE “I WAS A TEENAGE WEREWOLF”, LA CANCIÓN DE THE CRAMPS QUE RESURGIÓ EN STRANGER THINGS

Brisa Bujakiewicz

Infobae, 09/01/2026

Lanzada en 1980, la canción fusionó el rock con el cine de terror para retratar la angustia adolescente y la búsqueda de identidad

La historia de “I Was A Teenage Werewolf” comienza en 1980, cuando The Cramps lanza su primer álbum, “Songs The Lord Taught Us”. La banda, formada por Lux Interior en la voz, Poison Ivy en guitarra, Bryan Gregory en guitarra y Nick Knox en batería, graba en Memphis bajo la producción de Alex Chilton. El tema resurgió este año tras sonar en la serie del momento: Stranger Things.

En ese disco, el grupo presenta una canción que une el rock con el cine de terror: “I Was A Teenage Werewolf”. El tema, con su sonido crudo y su letra sobre la angustia adolescente, marca un antes y un después en la carrera de la banda.

El debut de The Cramps combina elementos del punk, el rockabilly y una estética inspirada en películas de bajo presupuesto. Esta mezcla resulta en un sonido único y reconocible, que rápidamente capta la atención de públicos jóvenes y seguidores de la música alternativa. Con el paso del tiempo, la canción se convierte en un símbolo de identidad para quienes buscan expresarse a través de la música.

“I Was A Teenage Werewolf” toma su nombre de una película de terror de 1957 protagonizada por Michael Landon. En el filme, un adolescente se transforma en hombre lobo tras un experimento médico, lo que inspira la narrativa de la canción y su tono oscuro.

Inspiración y simbolismo detrás de la canción

De acuerdo con American Songwriter, la película original influyó en la visión de The Cramps sobre la adolescencia y el cambio. Tony Rivers, el personaje principal, vive una transformación involuntaria que lo aísla de su entorno. La letra del tema refleja este sentimiento de incomprensión y soledad, con frases que retratan la dificultad de encontrar ayuda en momentos de crisis.

La interpretación de Lux Interior aporta intensidad y dramatismo, mientras la guitarra de Poison Ivy utiliza efectos que recuerdan el estilo de Link Wray. Según American Songwriter, el sonido de la banda transmite urgencia, rebeldía y vulnerabilidad al mismo tiempo. La producción de Chilton en Memphis refuerza la crudeza del conjunto y su enfoque minimalista.

La estructura de la canción, directa y sin adornos innecesarios, permite que el mensaje llegue con claridad. La combinación de música y letra transforma el mito del hombre lobo adolescente en una metáfora sobre los miedos y deseos de quienes atraviesan la juventud.

Influencia cultural y vigencia de The Cramps

El disco debut de The Cramps marcó un hito en la historia del rock alternativo. La fusión de géneros y la incorporación de referencias al cine de terror influyeron en numerosas bandas posteriores, entre ellas The White Stripes. “I Was A Teenage Werewolf” se consolidó como un himno del grupo y un ejemplo de cómo la música puede dialogar con otras disciplinas artísticas.

La conexión entre la canción y la película va más allá de la inspiración superficial. The Cramps reinterpretan el clásico del cine para abordar temas universales como la búsqueda de identidad, el miedo al rechazo y la rebeldía juvenil. El mensaje de inconformismo y transformación resulta atemporal y sigue vigente en la actualidad.

La presencia de “I Was A Teenage Werewolf” en la serie Stranger Things demuestra la capacidad de la canción para adaptarse a nuevas generaciones. En la ficción, la música acompaña a personajes que atraviesan procesos de cambio y enfrentan situaciones de aislamiento, reforzando el paralelismo con la historia de Tony Rivers.

“Stranger Things” y el renacimiento del clásico

La inclusión de “I Was A Teenage Werewolf” en la popular serie de Netflix acercó el legado de The Cramps a un público global. De acuerdo con American Songwriter, la elección del tema responde a la necesidad de transmitir emociones de angustia y transformación, especialmente a través del personaje Will Byers. La canción funciona como un puente entre la cultura de los años 80 y el presente, revitalizando su mensaje original.

Las letras, con imágenes de dientes largos y la imposibilidad de detener el cambio, conectan con la experiencia de la adolescencia.

La música de The Cramps brinda un acompañamiento sonoro a las crisis personales que viven los personajes de la serie. La energía y crudeza del tema aportan una dimensión adicional a la narrativa de Stranger Things y refuerzan la conexión con el público joven.

El renovado interés por The Cramps tras la aparición de la canción en la serie confirma la vigencia del grupo. Nuevas audiencias exploran su discografía, mientras los seguidores de siempre celebran el reconocimiento de una obra fundamental del rock alternativo.

Un legado de rebeldía y transformación

“I Was A Teenage Werewolf” se mantiene relevante más de 40 años después de su lanzamiento. The Cramps lograron transformar una referencia del cine en una pieza musical con identidad propia. La canción actúa como un símbolo de rebeldía, cambio y búsqueda de pertenencia, temas universales que atraviesan generaciones.

La aparición del tema en la exitosa serie revitaliza su impacto y asegura su permanencia en la cultura popular. La fusión entre música, cine y televisión demuestra la fuerza de la obra de The Cramps y su capacidad para conectar distintos momentos históricos. El mito del hombre lobo adolescente encuentra en la canción una voz poderosa y vigente. El mensaje de transformación e incomprensión sigue resonando en quienes buscan entender su propia historia.

JOHN FOGERTY EN TINY DESK (16/01/2026)

 

LOS APORTES MUSICALES DEL DÚO SUICIDE, IMPOSIBLES DE CLASIFICAR

Hernán Muleiro

La Jornada, 28/012/2025

Los aportes musicales más grandes no vienen necesariamente de personas obsesionadas con el éxito; basta con ver un caso como el de Suicide, el dúo formado por Martin Rev y Alan Vega en Nueva York en 1970, fue el primero en incluir la palabra punk como descripción en un volante para un concierto, hicieron un tecno deforme sin reglas prestablecidas, fueron los poseedores de una encrucijada sonora que mezcló el futurismo callejero de Rev en los sintetizadores, junto a la evocación fantasmal del cantante Alan Vega.

Rev se presentará en el Club Desconocido, Orizaba 76, Roma Norte, el viernes 6 de febrero para un show íntimo, en lo que será su segunda visita a tierras chilangas.

El concepto de Suicide es en parte opuesto al de Kraftwerk; mientras que los alemanes tomaron la idea del hombre robot y su temática relacionada al desarrollo tecnológico, Suicide combinó una nueva forma musical con el ambiente de una Nueva York quebrada con personajes delirantes y subterráneos, incorporando el peligro y la marginalidad a las texturas y temáticas de sus canciones.

Más que sus pares generacionales, Suicide continuó una línea iniciada por The Velvet Underground: en su debut homónimo de 1976 tienen canciones románticas como Girl o Cheree, rolas de amor meta, que reconocen en su contenido la existencia de siglos poblados de composiciones románticas. También forma parte del disco Frankie Teardrop, un tema de 10 minutos que ocupa la mitad del segundo lado del elepé, contiene gritos perturbadores y trata sobre un trabajador de fábrica que toma su propia vida y la de su familia.

El estilo de Martin Rev fue influenciado por compositores experimentales, improvisadores del jazz y también por sus propias limitaciones técnicas y las de su instrumento. El resultado final dejó a algunos miembros del público fascinados y a la mayoría horrorizados; Alan Vega podía portar una cadena en sus manos mientras se paraba arriba de las mesas, generando la reacción natural de esconderse hasta el fondo del antro.

Un grupo de choque

Cuando tocaron como apertura de grupos más populares, como Elvis Costello, The Cars, o Siouxie & The Banshees, el rechazo aumentó junto al público, pero ni Alan Vega ni Martin Rev retrocedieron ante la presión negativa, más bien parecían devolverla generando un efecto inmediato. La audiencia era sorprendida, no sólo por una intencional carencia de cuerdas, sino también por la ausencia total de baterías percutidas por humanos, en lo que era entendido como un gesto contra las convencionalidades del rock en vivo.

Entre las agrupaciones afines a Suicide podría contarse a Cabaret Voltaire, el grupo formado en Sheffield, Inglaterra en 1973 y liderado por Richard H Kirk, se asemejó a la literatura distópica y posteriormente encajó con las revueltas contra las políticas de Margaret Thacher. Otro dúo de Nueva York con parámetros propios fue Silver Apples, Simeon Coxe y Danny Taylor, cuyos comienzos en 1967 precedieron a la formación de Suicide por tres años.

Su segundo disco, Alan Vega-Martin Rev (1980), está a la altura del primero, aunque no suele considerarse tan icónico. El largo hiato de Suicide hasta su disco de regreso, Way of Life (1988), dio origen a sus carreras solistas, con Vega colaborando con músicos como Alex Chilton, del grupo Big Star y con Rev sacando discos por su cuenta.

El último disco, American Supreme (2002), continuó con su forma asimilando el cambio de tecnología que correspondía a la época. Los comienzos del nuevo milenio encontraron una ola de admiración para Suicide, que se juntaron un último periodo para en festivales como el Primavera Sound, en una etapa de reverencia que abarcó desde músicos de rock hasta nombres destacados del tecno. Sin embargo, lo más importante es que Suicide mantuvo una rectitud en su imprevisibilidad hasta el final.

A más de 50 años de sus comienzos, tal vez la mayor virtud de Suicide sea su capacidad de mantenerse imposibles de calificar: una de las preguntas más habituales que se realizan en Internet sobre ellos es “¿Qué música hacen?”.

LA HISTORIA DEL ROCKSTEADY, EL GÉNERO MUSICAL JAMAICANO QUE PRECEDIÓ AL REGGAE

Lucas Santomero

Indie Hoy, 23/12/2025

El rocksteady absorbía elementos del rhythm and blues estadounidense, pero los reinterpretaba con una identidad inequívocamente jamaicana.

A mediados de 1966, Jamaica encontró un nuevo ritmo para contar su realidad, más lento que el ska, más profundo en su groove y decisivo para el nacimiento del reggae: el rocksteady. Su nombre, un título un tanto particular, surgió de la pista de baile, una forma de moverse acorde a un clima social que empezaba a oscurecerse.

Aunque el pulso básico seguía siendo el del ska, el rocksteady introdujo cambios sustanciales. El bajo pasó al frente, adoptando líneas más pesadas y sincopadas. La guitarra rítmica y la batería desaceleraron el tempo, el piano cedió su lugar al órgano eléctrico y los vientos (protagonistas en el ska) fueron perdiendo peso hasta desaparecer en muchos casos. La música se volvió más austera y directa, y dejando más espacio para la voz y las letras.

Detrás de ese sonido emergente estuvo una nueva manera de pensar los arreglos. El guitarrista Lynn Taitt, trinitense radicado en Jamaica, introdujo la guitarra melódica que imitaba y reforzaba las líneas de bajo, mientras la batería empezaba a marcar con el golpe en el tercer tiempo del compás, el germen del posterior one drop. El rocksteady absorbía elementos del rhythm and blues estadounidense, pero los reinterpretaba con una identidad inequívocamente jamaicana.

El contexto social fue tan determinante como lo musical. Tras la independencia de la isla, en barrios como Trenchtown, Riverton City o Greenwich Town, la juventud enfrentaba pobreza, hacinamiento y falta de oportunidades. De allí surgió la figura del "rude boy": un joven marginal, desafiante, y muchas veces vinculado a la violencia callejera. El rocksteady empezó a narrar esas historias de peleas y conflictos con la ley, no siempre como glorificación, sino también como condena.

Aunque no existe un consenso absoluto sobre cuál fue el primer tema rocksteady, muchos señalan a Alton Ellis como figura clave, especialmente por "Girl I’ve Got a Date". Otros candidatos incluyen "Take It Easy" de Hopeton Lewis, "Tougher Than Tough" de Derrick Morgan o "Hold Them" de Roy Shirley. El productor Duke Reid, desde su sello Treasure Isle, fue fundamental para consolidar el estilo, trabajando con grupos como The Techniques, The Paragons, The Silvertones y The Jamaicans, y dando forma a un modelo vocal que sería central para el reggae.

El primer gran éxito internacional del rocksteady llegó con "Hold Me Tight" de Johnny Nash, que alcanzó el Top 5 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, demostrando que aquel sonido nacido en los márgenes de Kingston podía cruzar fronteras. Sin embargo, la era rocksteady fue breve. A fines de los años 60, la migración de músicos clave para el género, los avances tecnológicos en los estudios y la evolución natural del lenguaje musical empujaron el sonido hacia una nueva estadía.

El bajo se volvió aún más complejo, los arreglos más sofisticados y la batería más precisa. Con el auge del movimiento rastafari a comienzos de los 70, las letras dejaron atrás el amor para abrazar la conciencia política, racial y espiritual. Así nació el reggae. Sin embargo, pese a su corta vida, el rocksteady tuvo un impacto innegable. Muchas de sus líneas de bajo siguen vivas en la música jamaicana contemporánea, y su influencia atraviesa décadas de reggae y dancehall.