FLY GOLDEN EAGLE. "QUARTZ BIJOU" (2014). Psicodelia indie desde la capital de la música country

Producir tanta country music en serie, como quien hace churros, debe ser bastante cansino. Quizá sea por eso que en Nashville de un tiempo a esta parte está apareciendo muy buen indie rock, un indie rock que sin embargo no olvida las raíces. Hay están, por citar una banda sobradamente conocida, los Kings of Leon. O también el grupo del que nos vamos a ocupar, Fly Golden Eagle, una banda de la Music City que ha puesto al día la psicodelia añadiéndole unas gotas de garaje rock, soul y pop indie. Una buena muestra de esta interesante mezcla es el excelente álbum Quartz Bijou que la banda publicó el año pasado.

El disco se abre con un cañonazo de soul ácido titulado "You Look Good To Me", tema en el que de inmediato uno se percata de cuál es el punto fuerte del sonido de la banda, esa potentísima sección rítmica formada por el batería Richard Harper y por el bajista Rick Alessio (el trabajo de este último a lo largo del álbum es magnífico, dando a la banda su característico toque indie). Algo más calmado y lisérgico es el segundo tema, "Horse's Mouth", con ese trémolo en la guitarra de Ben Trimble y ese espectacular cambio de ritmo a partir del minuto 3, donde se luce especialmente el sinuoso teclado de Mitch Jones. Por contra el tercer tema, "Stepping Stone", es un disparo a bocajarro de garage rock venenoso y uno de los momentos más incandescente del álbum. A destacar el uso de los silencios que recuerda al Wild Thing de los Troggs. Al tema le acompañó un vídeo clip realizado por la plataforma de vídeos musicales Vevo.

Tras el trallazo garajero, Fly Golden Eye siguen sumergiéndose en las turbias aguas de la psicodelia con un tema, "Magic Steven", en el que el teclado brilla con luz propia. También hay que mencionar el uso de los cambios de ritmo para introducir al oyente en un ambientes más jazzy / lounge. Le sigue "Monolith", que es el gran tema pop del álbum, una canción con una melodía pegadiza y luminosa y uno de los mejores momentos del LP. También representa otro momento álgido "Tangible Intangible", otro tema pop pero algo más jazzy y atmosférico, heredero del sunshine pop de los 60s. De este tema también hay un vídeo publicado por Vevo que es una preciosidad desde el punto de vista estético.

Prosigue su vuelo esta águila dorada con un tema más garajero y de ritmo kraut titulado "The Slider". También atravesado por cambios de ritmo y silencios, el tema hace uso de todo tipo efectos de sonido y trucos electrónicos. Con "Heady Ways", Fly Golden Eagle tiran del blues rock para convertirse en una versión hipster de los Doors. A destacar ese riff de fuzztone de la guitarra solista. Por su parte "Medicine Hat", es la perfecta mezcla de garaje pop y psicodelia, con ese maravilloso teclado de Mitch Jones envolviéndolo todo. La banda vuelve a una psicodelia más densa y crepuscular con "Boychild Ghost", donde la imparable maquinaria de ritmo soul formada por el bajo y la batería de la banda rozan la perfección sónica. Pero si hay un tema en el bajista Rick Alessio asciende con su instrumento a la estratosfera ese es "Tehuacana", donde la banda se transforma en una suerte de Spencer Davis Group de la era digital. Tan solo queda un tema, el instrumental "Death Myth", una poderosa pieza de jam rock en la que el Ben Trimble aprovecha para sacar jugo a las 6 cuerdas.

Como demuestra este brillante disco, no solo de country vive Nashville. Bandas como Fly Golden Eagle deberían ser más conocidas..

LA INCREDIBLE STRING BAND, EL GRUPO-COMUNA DE LA PSICODELIA INGLESA

Anxel Grove
20 minutos, 12/03/2015. 

En julio de 1967, un mes después de la edición de Sgt Pepper’s Lonely Heart Club Band, el disco casi temático sobre la expansión de conciencias con el que los Beatles nos mostraban lo que el LSD hacía en sus cabezas (excepto en la de Ringo, donde no había cambio perceptible), apareció el primero de los dos discos de la Incredible String Band que rescato hoy de mi baúl emocional, The 5000 Spirits Or The Layers Of The Onion.

Los dos músicos del grupo eran entonces Mike Heron y Robin Williamson. Ambos habían nacido en Edimburgo y tenían 25 años. La procedencia geográfica les aseguraba entender el idioma de los bosques. En 1967, la edad no podía conducir a otra cosa que al viaje.

Cuando grabaron el disco -bajo la producción del mago Joe Boyd, el yanqui que hizo flotar el sonido visionario inglés y que describió su experiencia en la bonita crónica Blancas bicicletas-, Williamson todavía retenía la pulsión embelesada de los cuatro meses que había pasado vagando por Marruecos con su novia, Christina McKechnie, a la que todos pronto conoceríamos por su seudónimo, Licorice (regaliz), una de las musas de la sicodelia británica.

La Incredible String Band fecundó el disco en una casa de campo de Balmore, no lejos de Glasgow. Al igual que los poetas del romanticismo tardío inglés, el grupo intentaba sincronizarse con el ritmo de la naturaleza. También jugaban al chamanismo panteista e introducían en las fórmulas del folk estructuras más dúctiles y, sobre todo, una visión sicodélica del mundo.

El objetivo era musical y, por causa-efecto, vital. La banda estaba planteada como una familia abierta y nómada, de la que formaban parte, según reglas nada precisas, amigos, novias e hijos. Les gustaba alardear de que eran una “comuna vital antes que un grupo musical”.

El siguiente disco, The Hangman’s Beautiful Daughter, editado en marzo de 1968, era más radical que el anterior en complejidad, texturas musicales, uso de instrumentos de culturas exóticas -entonces no se usaba el término étnico– y alcance de la fusión.

Los Beatles dijeron en esos días que la Incredible String Band era su grupo favorito y Robin Williamson, que siempre ha sido un poco bocazas, respondió que no le extrañaba, porque Sgt Pepper’s … era una “copia”.

En 1969 actuaron en el festival de Woodstock -fueron la única banda de folk inglés invitada- y sus muchos y cambiantes participantes se establecieron, entre caballos y ceremonias druídicas, en una granja de Gales.

Siguieron grabando discos durante décadas -se reunieron  por última vez en 2006- y fueron pioneros en el uso del teatro y las proyecciones multi-media. El eco de su huella, que está muy presente en la vena folk de Led Zeppelin, llega hasta nuestros días (Devendra Banhart y sus colegas imitan bastante bien a la Incredible), pero nunca lograron superar la frescura de estos dos discos para rituales pagano-siderales.

BLUE RODEO. "IN OUR NATURE" (2013). Los padres del nuevo roots-rock canadiense, en perfecta forma

Junto Cowboy Junkies, Blue Rodeo fueron los pioneros del renacer del rock de raíces en Canadá en la segunda mitad de los años 80. Mucho ha llovido desde que Blue Rodeo llegara al cénit de su popularidad con aquel espléndido Five Days in July de 1993, sin embargo los de Ontario no han perdido un ápice de su encanto a pesar de los años. Prueba de ello es este álbum que nos ocupa, el magistral In Our Nature de 2013, el último hasta la fecha si exceptuamos un disco menor de versiones de temas navideños que la banda publicó el año pasado.

Y es que In Our Nature tampoco tiene mucho que envidiarle a Five Days In July. Se abre con la guitarra rítmica de Jim Cuddy en "New Morning Sun", quien desgrana su melancolía en letras hirientes "Maybe now we could be lovers / share all the darkness in our souls" con un sonido cercano al de R.E.M. o sin ir más lejos al de sus vecinos y amigos Skydiggers. Más jazzy y aún más melancólica es el siguiente corte, "Wondering", donde la voz de Greg Keylor, aún siendo técnicamente inferior a la de Jim Cuddy, se muestra expresiva como pocas. Cuddy es precisamente quien canta el siguiente corte, un tema con referencias a los Byrds y al country-rock, una de las señas de identidad de la banda. El tema hará delicias de quien aprecie las buenas guitarras acústicas, crujientes y cristalinas. Toma el control la voz de Keylor en el siguiente tema, "Never Too Late", corte en el que destacan los riff de slide guitar al estilo de George Harrison y un estribillo fresco y pegadizo. Esta es la vertiente más power pop / beatleiana de los Rodeo y uno de los mejores cortes del disco. Entonces reaparece Jim Cuddy cantando una balada, "When The Truth Comes Out", de lo más mainstream. Que no cunda el pánico. Los Blue Rodeo incluso en sus mejores momentos han hecho guiños al mainstream. ¿Alguien recuerda aquel "Bad Timing" tercer corte de su obra magna Five Days In July? Además para estos menesteres se inventó el botón de avance de los reproductores de música.

Tras el mencionado paréntesis, los Rodeo retoman el mejor country-rock con "Paradise", tema lento y meloso que recuerda a los Flying Burrito Brothers de la etapa Gram Parsons, y se prolonga con "Tell Me Again", la primera cantada por Greg Keylor y la segunda por Jim Cuddy. Pero si hay una canción que brilla con luz propia en el disco esa es "Mattawa", maravillosa estampida de country-pop a lo Byrds con un duelo guitarra acústica - guitarra eléctrica (¡esa Telecastar quema!) antológico y una letra de carretera y manta que quita el sentido. Mattawa por cierto es una pequeña ciudad de la provincia canadiense de Ontario. Lo mejor que un servidor ha oído en meses.

Es difícil recuperarse del impacto de ese "Mattawa", especialmente si el siguiente tema es una balada con piano y voz a cargo de Jim Cuddy... Pero tranquilos, aunque el comienzo parece otro guiño al mainstream el tema se crece en el estribillo con ese aire de inspirado gospel. El tema que da título al disco es otra vuelta a los sonidos jazzy y a los ambientes depresivos, con la tortura voz de Keylor  más torturada que nunca asegurándonos que "it's in our nature to fly". Más luminosa es "In The Darknes", donde los Rodeo se vuelven a subir a un pedestal y consiguen un tema de irresistible ritmo country traspasado por incandescentes notas de fuzztone escupido por una Telecaster encabronada, una mezcla de country rock y psicodelia que recuerda a lo que hacen sus paisanos (y también amigos) The Sadies. Otro punto culminante de este impresionante álbum.

Restan tan solo tres cortes para acabar el álbum. El primero de ellos es una pieza deliciosa de pop a lo REM absolutamente redonda, se mire por donde se mire. Otro punto álgido de álbum (y ya van unos cuantos). El segundo, "Tara's Blues", es más country-rock melancólico cantado por el inconmensurable Keylor. Y para finalizar una versión de... ¡Ahí es nada!... "Out Of The Blue" de Robbie Robertson, Dios padre del folk-rock Canadiense y líder de The Band. Ni que decir tiene que la voz de Keylor, que a estas alturas del álbum ya es como un ente de otro planeta, lo borda. No se puede exprimir más tristeza y hacer mejor música con ella. Y sintiéndolo mucho no se me ocurre otra cosa que acabar con un tópico: la música de Blue Rodeo acaso sea como el buen vino, que mejora con el tiempo.

SE PUBLICA EN DVD LA PELÍCULA DE JULIAN TEMPLE SOBRE WILKO JOHNSON

Efe Eme, 24/10/2015

Cuando Wilko Johnson anunció que se le había diagnosticado un cáncer en fase terminal y que los médicos solo de daban unos meses de vida, Julien Temple cogió su cámara y siguió los que iban a ser los últimos pasos del guitarrista: la gira de despedida y la grabación de un último disco, junto a Roger Daltrey. Finalmente, contra el pronóstico de los médicos, Johnson se recuperó y la película de Temple tuvo un “inesperado” final. El film, “The Ecstasy of Wilko Johnson”, será publicado en forma de DVD el 4 de diciembre. Como extra incluye “Watch With Wilko”, que contiene una entrevista con Wilko Johnson y el momento en que este vio la película de Temple por primera vez.

WILCO. "STAR WARS" (2015). El genio de Jeff Tweedy aún no ha dicho su última palabra.

El pasado 16 de julio Tweedy y los suyos colgaron por sorpresa en su página web el último trabajo de Wilco. Se podía descargar gratuitamente para desgracia de la industria discográfica. No es la primera vez que hacen algo así; es un gesto muy de Tweedy. Y para colmo de desconcierto al álbum se le llamó Star Wars. También juega al despiste la portada (¿qué tiene que ver ese horriblemente convencional cuadro de un gato con La Guerra de las Galaxias?). A pesar los años Wilco no han perdido la capacidad de sorprender al oyente.

El álbum se abre con un extraño y disonante instrumental de no menos extraño título ("EKG", siglas con las que se llama al electrocardiograma en inglés) que descoloca a cualquiera. Me imagino por qué Jeff Tweedy ha hecho algo así: debe ser muy molesto que que los críticos confundan hacer temas melódicos con venderse al establishment musical y que te lo espeten en la cara a diario. "Si queríais ruido, tomad ruido", habrá pensado Tweedy. Tras esta estampida Wilco vuelven a hacer lo que hacen mejor, crear música memorable, intemporal y con mucho gancho, con un tema como "More..." (otro título desconcertante) que está traspasado por un pegadizo y stoniano riff de guitarra que da una pista sobre la fuente de inspiración del álbum: el rock de los 70 (el glam, el prog y el kraut particularmente). De hecho los 70 son una constante influencia en Wilco especialmente desde Sky Blue Sky (2007). Le sigue "Random Name Generator" donde las influencias de T. Rex y el glam rock británico (la voz de Tweedy recuerda poderosamente a la de Marc Bolan) se hacen más explícitas. Con "The joke Explained" Tweedy hace gala de su talento compositivo y prácticamente con el mismo riff de guitarra del tema anterior crea otro totalmente distinto algo más pop y más ligero.

Pero si la influencia del krautrock setentero aparece en un tema nítidamente es en el quinto corte "You Satellite". Ruidista y atmosférico, el tema hace guiños tanto a la Velvet Underground del segundo álbum como a Neu! y no habría desentonado si lo hubieran incluido New Order en su primer álbum. El tsunami de distorsión va subiendo in crescendo hasta lanzar un mensaje a los críticos tocapelotas: la trayectoria musical de Wilco dista mucho de haber derivado hacia el mainstream. Sin embargo, mi corte favorito es el sexto "Taste The Floor" porque si Wilco se mueve en un terreno como pez en el agua ese es el terreno del pop pegadizo y memorable, ése que lo escuchas una vez y ya no puedes dejar de escuchar hasta agotar la batería del reproductor de mp3.  Además recuerda mucho al ambiente mágico de Summerteeth, el álbum de Wilco que más me gusta.

Tweedy vuelve a hacer guiños al glam rock con "Pickled Ginger", un tema al que le añade unas gotas de electrónica descacharrada el estilo de ese primer legendario LP de Suicide. Entonces el sonido se vuelve a ablandar y Tweedy nos sume de nuevo esa tensión melodramática con "Where Do I Begin", un corte en el que el espiritu estrafalario de Tweedy reserva la base rítmica y los riffs de guitarra eléctrica justo al final de la canción, de tal manera que cuando el tema parece haber arrancado definitivamente ya está acabando.

Las dos líneas, la melódica y la ruidista parecen echar un pulso en el siguiente tema, "Cold Slope" con victoria de la vertiente rockera de nuevo imbuida del espíritu glam de T. Rex. Y aquí repite el truco Tweedy: el ritmo del corte noveno salta al décimo ("King Of You") para ponerse al servicio de una melodía absolutamente distinta. Y como colofón ese "Magnetized" guiña a los últimos Beatles, melódicos pero barroquizados por la influencia del rock progresivo. Todo ello demuestra que Wilco a estas alturas hacen lo que quieren sin pedir permiso a nadie y que el genio compositivo de Jeff Twedy no ha dicho aún su última palabra.