viernes, 13 de enero de 2017

BOBBY BEAUSOLEIL, EL MÚSICO DE LUCIFER RISING

Eduardo Bravo
Yorokobu, 09/08/2015


El 9 de agosto de 1969, la familia Manson asesinaba a la actriz Sharon Tate y a cuatro personas más. No era su primer acto de este tipo. Unos días antes, Bobby Beausoleil, prometedor músico y actor californiano que se había incorporado a la familia por casualidad, había apuñalado a Gary Hinman por orden de Charles Manson.

El día 10 de agosto también asesinarían a la familia LaBianca con la intención de despistar a la policía y forzar la libertad de Beausoleil. No fue el caso. 46 años después continúa en prisión desde donde compone música y construye extraños instrumentos.

Nacido en la soleada y cinematográfica California, Bobby Beausoleil comenzó a aficionarse a la música desde muy joven. Tenía predilección por las bandas sonoras de las películas de terror y despreciaba la programación de las emisoras locales por parecerle demasiado empalagosa y aburrida. Aunque sus padres no podían costearle las clases de música, el muchacho comenzó componer sus propias canciones con una vieja guitarra que había encontrado en la casa de su abuela. Sus primeras influencias fueron el rock and roll y el rythm and blues que poco a poco derivaron hacia los sonidos del momento: primero la música surf y, posteriormente, la psicodelia.


En 1965, con apenas 17 años, decidió trasladarse a San Francisco para vivir el movimiento hippie en su epicentro: Haight-Ashbury. Allí entró a formar parte de Grass Roots, banda liderada por Arthur Lee que luego se transformaría en Love, y conoció a miembros de otros grupos como Grateful Dead, Country Joe and the Fish o Jefferson Airplane.

Deseando explorar otros territorios creativos, Beausoleil abandonó Grass Roots y se unió a The Orkustra. Esta extraña formación –en la que además de una guitarra y un buzuqui, tocados por él, había un bajo, un oboe, percusiones diversas y un violín–, buscaba convertirse en la primera orquesta sinfónica con instrumentos eléctricos. Sin embargo, las limitaciones técnicas y la falta de destreza de los propios músicos provocaron que la Orkustra no pasase de ser un grupo raro que interpretaba música clásica con toques psicodélicos e influencias del jazz místico de A Love Supreme de Coltrane.


Además de sus proyectos musicales, Beausoleil también había probado suerte en el cine. Había aparecido en la cinta de porno soft Ramrodder e interpretado el papel de Cupido en el documental Mondo Hollywood. Por tanto, cuando Kenneth Anger –realizador independiente y seguidor de las teorías luciferinas del mago Aleister Crowley–, le propuso protagonizar su siguiente trabajo, Beausoleil aceptó.

La cinta en cuestión era Lucifer Rising y la única condición que puso Beausoleil fue que la banda sonora fuera realizada por su grupo. Esta propuesta, que se había hecho sin consultar al resto de la banda, no gustó a muchos de los miembros, algunos de los cuales dejaron claro que no tenían ninguna intención en participar del proyecto.

Surgió entonces The Magic Powerhouse of Oz, grupo creado ex profeso para componer y grabar esa banda sonora. Estaba formado por músicos de la calle sin conocimientos de música y, en palabras de Beausoleil, era un conjunto que no se parecía en nada a ningún proyecto musical existente en ese momento. Su lema: «Haz todo el ruido que desees, pero hazlo con sensibilidad y respeto a los demás músicos».



Beausoleil se mudó a casa de Kenneth Anger, una enorme mansión que había sido la embajada de la Rusia zarista en Estados Unidos, y comenzaron el rodaje de Lucifer Rising. Además de darle alojamiento, Anger le prestó dinero para comprar equipo para el grupo pero el joven se lo gastó en otra cosa: en droga. En grandes cantidades, además. Tras la consiguiente bronca, Beausoleil abandonó la vivienda de Anger llevándose consigo la furgoneta del realizador en la que estaban algunas de las bobinas ya positivadas de Lucifer Rising.

Al enterarse del robo, Anger lo denunció a la policía, al FBI y, por si no fuera suficiente, le envió una maldición que resultó ser lo más eficaz. Casualidad o hechicería, el caso es que a Beausoleil se le fue a estropear la furgoneta justamente en la puerta de Spahn Ranch, lugar en el que la Familia Manson tenía su hogar.

El recién llegado pidió asilo a la familia y esta lo acogió de muy buena gana. Entre otras muchas afinidades, Beausoleil y Manson compartían interés por la música. También por las drogas. Además, la juventud y belleza del nuevo miembro resultó muy útil para captar chicas para la secta, otra afición compartida por ambos. Poco a poco fue ganándose la confianza del líder y llegó el día que le encargaron que se ocupase de un negocio un tanto delicado.

Gary Hinman, un músico ya veterano y venido a menos, se había visto en la necesidad de diversificar sus actividades y decidió probar suerte en el mundo de los estupefacientes. Manson acostumbraba a comprarle para después revender. El problema surgió cuando Hinman le proporcionó una partida de mescalina de tan mala calidad que, cuando Manson, Beausoleil y sus amigos se la vendieron a una banda de motoristas, estos no tardaron en exigir la devolución del dinero con esos modales tan particulares que emplean las bandas de motoristas.

Enterado de esta contingencia, Charles Manson envió a Beausoleil a la casa de Hinman para que recuperara también su parte, pero los argumentos del joven músico no debieron ser tan convincentes y el camello se negó. Cuando el resto de la Familia se enteró, se desencadenó la tragedia.

Beausoleil, Susan Atkins y Mary Brunner regresaron a la casa de Hinman, una apartada vivienda unifamiliar en Topanga Canyon, y lo retuvieron hasta que apareció Manson. Lo primero que este hizo al llegar fue rebanarle parte de una oreja. A partir de ahí, la cosa no podía hacer más que empeorar y, efectivamente, así fue.

Manson ordenó a Beausoleil que matase a Hinman, cosa que hizo después de estar torturándolo dos días. Una vez cometido el crimen, los miembros de la familia Manson llenaron las paredes de pintadas con la intención de que los investigadores creyeran que el crimen había sido cometido por grupos extremistas pertenecientes al black power.

De poco servirían esas pistas falsas. El 6 de agosto, Beausoleil fue detenido y la policía no tardó en relacionarlo con el asesinato de Hinman, más que nada porque lo descubrieron en el interior de un automóvil propiedad del muerto. Acusado de asesinato, Manson pensó que la mejor forma de liberarlo era cometer más crímenes con el mismo modus operandi. «Si Beausoleil seguía encarcelado en la fecha de esos nuevos hechos, ¿cómo podría entonces ser culpable de la atrocidad cometida con Hinman?» fue el peregrino razonamiento que habrían hecho sus amigos.

Como era de esperar, lo acaecido los días 9 y 10 de agosto, no beneficiaría lo más mínimo a Beausoleil. Lejos de retirarle la acusación de asesinato, le sumaron la imputación de pertenecer a la familia Manson que no era precisamente una asociación benéfica.

Condenado a muerte, su pena fue conmutada por cadena perpetua. Truman Capote lo visitó a finales de los 70 en la prisión de San Quintín y de ese encuentro surgió el relato Y luego ocurrió todo, contenido en Música para camaleones. Beausoleil tenía por entonces 31 años y aún conservaba su extraordinaria belleza que Capote calificaría de «un estilo de chulo pasado de moda».

Además de su aspecto y sus tatuajes, una de las primeras cosas que le llamaron la atención al escritor fue que le permitieran tener una guitarra porque «algunas prisiones no lo permiten, porque pueden quitarse las cuerdas para utilizarlas como armas».

Tras una breve charla en tono más o menos cordial, el escritor le preguntó si su relación con Kenneth Anger había sido buena. Beausoleil respondió que sí. «Entonces, ¿por qué lleva Kenneth Anger un medallón con una cadena alrededor del cuello? En una cara del medallón hay una fotografía de usted; en la otra, hay una figura de una rana con la inscripción: “Bobby Beausoleil transformado en rana por Kenneth Anger”. Un amuleto vudú, por decirlo así. Una maldición que le lanza, porque se supone que usted le robó. Se marchó en plena noche con su automóvil y unas cuantas cosas más», preguntó Capote. Bobby Beausoleil, calló, se puso a tocar la guitarra y empezó a hablar de su relación con Manson, de la familia, de la supremacía blanca, de su concepto de la justicia y de los asesinatos de Sharon Tate, dando lugar a un agrio enfrentamiento con el escritor que había sido amigo de varias de las víctimas.


Beausoleil visitado en la cárcel por Truman Capote

Con el paso del tiempo, el carácter de Beausoleil se fue dulcificando. Se arrepintió de haber asesinado a Hinman y la guitarra de su celda no fue utilizada como arma sino como herramienta de reinserción. Retomó su carrera artística desde la prisión y, además de realizar diferentes exposiciones de pintura, continuó su labor como músico grabando varios discos e inventando nuevos instrumentos como el Syntar.




Incluso retomó el contacto con Kenneth Anger para proponerle concluir la banda sonora de Lucifer Rising. Aunque el realizador le había hecho el encargo a Jimmy Page –otro discípulo de Crowley que incluso llegó a comprar su casa en Inglaterra–, el guitarrista de Led Zeppelin fue incapaz de entregar el trabajo. Después de tres años de retrasos y demoras, Anger aceptó la oferta de Beausoleil que creó la Freedom Orchestra para desarrollar un trabajo que según él, nacía de la necesidad de cerrar un ciclo nada agradable de su vida.

Actualmente Bobby Beausoleil continúa en prisión. A pesar de ser un preso modelo en palabras de las autoridades y de haberse arrepentido de sus actos, sus diferentes intentos de revisar la condena y obtener la libertad le han sido denegados.

Entre las razones esgrimidas para ello está la de que su nueva labor artística, la popularidad obtenida por su música, su exposición mediática a través de su página web y las redes sociales, lejos de entenderse como actos de reinserción son vistos como formas de sacar rédito de sus actos criminales y, por tanto, una ofensa a las víctimas.

lunes, 2 de enero de 2017

EL ESPÍRITU PSICODÉLICO DE LOS SESENTA SIGUE VIVO...

...Así amaneció ayer día 1 de enero el célebre cartel de la colina de Hollywood. Algún bromista lo cambió para celebrar que desde esta fecha la marihuana es legal en el estado de California.


domingo, 1 de enero de 2017

LOS MAMBO JAMBO: EL ESPÍRITU DEL BUEN ROCK AND ROLL

Eduardo Izquierdo
Efe Eme, 05/05-2014 



Los Mambo Jambo han hecho del rock and roll una religión y se dedican con pasión a su labor evangelizadora. Y con un nivel altísimo. Al frente de ellos, un viejo conocido del rock barcelonés: el saxofonista Dani Nel.lo.

Es la cuarta o quinta vez que me enfrento a una entrevista con los Mambo Jambo, un combo que a base de picar piedra se ha convertido en un referente del rock and roll en nuestro país. Y lo hacen a pesar o gracias un proyecto instrumental en el que la energía y la pasión por lo que hacen es la chispa que enciende la mecha. Intentando huir de “otra” entrevista convencional con Dani Nel.lo y Mario Cobo, dos de sus miembros, empiezo de manera justamente opuesta a mis objetivos.

Acabáis de publicar un single para el Record Store Day, ¿cómo se gesta la cosa?

Da ni Nel.lo: Partimos de ‘Safari’, que es una canción de The Treble Tones, bueno, de uno de los muchos grupos llamados así que habían en los sesenta. La pillé en una recopilación rarísima que conseguí en vinilo. A partir de ahí quisimos hacer una especie de single temático y grabamos un tema propio llamado ‘La caza’, que tenía que entrar en “Impacto inminente” y acabó quedando fuera.

¿Qué opináis de ese día? Hay músicos que han criticado que las compañías han acabado convirtiendo una teórica fiesta de las tiendas de discos en otro negocio. Gente como Paul Weller ya ha dicho que no piensa hacer nada más.

Mario Cobo: La culpa es de los Rolling Stones [risas]. Es que aprovechar ese día para que la major de turno saque el enésimo single reeditado de alguien que ya vende muchos discos y lo que hacen es pedirte veinte euros por esa edición no tiene sentido. Es que vas a las ferias de discos y ves a gente que solo compra discos de Queen raros y como ya los tiene todos, se pilla una edición checoslovaca.

DN: Nosotros lo hacemos porque somos consumidores habituales de música y cualquier cosa que se haga para fomentar eso hay que apoyarla. Tampoco seamos pejigueros. Mira, yo he ido a festivales y me he gastado casi todo lo que había ganado comprándome discos después. Me da rabia llamarme coleccionista, pero llevo años acumulando discos, de eso no hay duda.

Esto no es habitual, aunque choque. Muchos músicos suelen decir que no escuchan música.

DN: Esto es un poco esnobismo, tío, pero es su problema, la verdad. Ellos se lo pierden. Cada uno tiene sus cosas. Yo, por ejemplo, colecciono discos de saxofonistas de la era dorada del saxo tenor. Cualquier cosa que encuentre me lo compro.

Pero es que eso forma parte de ser músico, ¿no?

DN: Pues no lo sé. Supongo. Al final, ser músico es un oficio en el que tienes la suerte de hacer feliz a la gente.

MC: No deja de ser cumplir ese sueño que tienes de pequeño. Cuando te planteas querer ser músico es una fantasía. Mirar atrás y ver que lo has conseguido es algo bastante sorprendente.


No hay más que mirar a los dos músicos a la cara para darse cuenta de que creen en lo que dicen. De que la banda que forman junto a Ivan Kovacevic y Anton Jarl parece satisfacer todas sus necesidades. Porque son Nel.lo y Cobo dos músicos de largo recorrido. De esos que llevan años y años al pie del cañón para conseguir el estatus que ahora tienen y, además, hacerlo con la música en la que creen: el rock and roll. Algunos les acusarán de prepotencia, de pose, algo que sucede en este país a todo aquel que apuesta por su trabajo con una profesionalidad llevada al extremo, aunque no hay más que charlar con ellos un rato para que cambie tu opinión. Porque son tan cercanos como su música y sus palabras desprenden la misma pasión que las notas que surgen de sus instrumentos.

DN: Es que es un placer comprar música. Mario, por ejemplo, compra discos de guitarristas, igual que yo de saxofonistas.

MC: Eso era muy típico en los años cincuenta y sesenta, discos de género. Incluso recopilatorios de esos que se llamaban “Guitarras de Nashville” y encontrabas auténticas joyas dentro. La temática del disco es la guitarra.

DN: Eso es un fenómeno un poco irrecuperable, el de instrumentistas vendedores de discos a lo Chet Atkins o King Curtis. Ese hueco del instrumentista que no está en el jazz y sin embargo vende.

Pero ahí es donde encajáis vosotros…

DN: Quizá sí. Sería interesante. Creo que es a lo que aspiramos individualmente.

MC: Nosotros creemos en la fuerza del instrumento. Quizá hacemos que la canción pierda sentido respecto al instrumento pero es nuestra apuesta.

Aunque sois unos viejunos, siempre habláis de cosas muy antiguas…

DN: No es cierto, tío. Una cosa es oír novedades de la radio comercial y otra cosa es no prestar atención a lo que te rodea. Yo soy mucho de comprar. A mí me flipan las producciones que ha hecho Joe Henry, por ejemplo y son contemporáneas. The Black Keys, por ejemplo, me encantan. O Nick Waterhouse, que no me emocionó mucho pero lo he escuchado. El otro día estaba en una tienda en Toulousse y sonaba ese disco, y aunque no me emocionaba pensaba que prefiero que me pongan eso de música de fondo que no otras cosas.

Pero varias veces os he oído decir que se usa la palabra rock and roll muy desacomplejadamente y eso suena algo carca ¿no?

DN: No, es una realidad [risas]. Nosotros somos una banda de rock and roll instrumental ¿por qué? Porque sí.

MC: Los elementos que barajamos son típicos del rock and roll.

DN: Yo entiendo ese uso desacomplejado de la palabra rock and roll pero lo veo lógico. Le ha pasado al country o al folk, o incluso al jazz.

MC: Yo creo que pasa porque son raíces de género.

DN: El término rock and roll se utiliza así por una cuestión de actitud. Representa esa rebeldía, ese aquí estoy yo. Y a partir de ahí se ha tomado como sinónimo de eso. Cuando tú gritas “rock and roll” te tienen que entender que estás gritando “actitud”. El otro día veía una película porno de una cinta VHS y uno de los protagonistas gritaba “venga chicos, rock and roll” [risas]. A eso me refiero. Es como decir que algo es muy kafkiana ¿qué significa eso? ¿Todo el que lo utiliza ha leído a Kafka? Por eso al final optamos por decir que hacemos sonido jambofónico, pero realmente hacemos rock and roll porque es lo que nos salió cuando nos juntamos. No hay que darle más vueltas.

Igual el problema es usar los términos rock y rock and roll como si fueran sinónimos.

DN: Pues no sé. Yo diferencio el rock and roll del rock a partir del año sesenta y algo cuando el rock and roll deja de ser algo esencialmente bailable a convertirse en algo más megalítico, más ético, más eléctrico. No sabría definírtelo muy bien. Cuando lo escucho sé que T.Rex o AC/DC es rock pero no sé definir muy bien por qué.

Pero vosotros entendéis el rock and roll como un término muy amplio, porque incluís ahí literatura, cómic…

MC: Claro, son elementos que forman parte de la misma cultura. Es que solo te has de meter en ese mundo y te das cuenta que al final estás hablando un lenguaje común.

DN: Yo ahora estoy colaborando en alguna cosa con Carlos Zanón y creo que su última novela, “Yo fui Johnny Thunders”, demuestra ese lenguaje común. Si has vivido la Barcelona de los ochenta te sientes dolorosamente en casa. Y es normal que luego, cuando haces una canción, eso te influya o incluso sea la base.

Ahora que hablas de Zanón, os imagino muy de novela negra.

DN: Claro, tío, yo incluso me obligo a leer cosas que no lo son porque me pongo muy pesado.

Y de cine ¿qué me decís?

MC: Yo es que veo muchas cosas, pero pocas contemporáneas. Además tengo una memoria de pez. Me gustó “La gran estafa americana”.

DN: Yo acabo de ver “Her”. Lo que plantea de fondo es muy posible y eso la hace atractiva. También soy mucho de hacerme ciclos. Me acabo de hacer un ciclo Alain Delon y lo he disfrutado mucho. Vi una peli que se llamaba “Muerte de un corrupto” que parece que habla de hoy en día y todos esos politiqueos extraños.

¿Y series veis?

MC: Yo estoy con “True detective”, que es espectacular. Los actores se salen, el ambiente, todo es flipante.

DN: Yo he visto mucha cosa inglesa. Recuerdo haber visto hace poco” Luther” y “Caída y auge de Reginald Perrin”. La verdad es que el consumo audiovisual privado es una de las cosas buenas que tiene la tecnología. Incluso para ir de bolo es algo muy sano para aislarte de vivir con tanta gente varios días seguidos.

Voy a dar un giro raro para preguntaros algo que siempre he querido hablar con vosotros ¿quién es el rey del rock and roll? Porque hay quien defiende que el título se lo merece más gente como Chuck Berry o Little Richard.

MC: ¡Elvis, tío!

DN: Elvis, sin duda. “On tour” es la Biblia. De los primeros discos que me compré fue “Elvis in concert”, del 77 y me lo sabía de memoria. Al principio se oían los comentarios de los fans, incluso. Es el que abrió la puerta.

MC: Elvis lo cambió todo.

DN: Rompió la última barrera que quedaba por romper racialmente. Ya había ese caldo de cultivo de la gente oyendo música negra pero quien lo hizo a nivel mainstream, fue Elvis.
MC: Además si te lees biografías de rockeros que salieron en esa época, la mayoría concluyen con un “vino Elvis a mi pueblo, lo vi y me cambió la vida. Quise hacer eso”. Y eso fue algo masivo.

DN: Quien capitalizó todo fue Elvis. Podía haber sido otro, pero fue él.

MC: Y evidentemente, por la época, tenía que ser un blanco. Por no hablar de la magia que tenía.

DN: Además como impacto a nivel global, no hay duda. Si eras un inglés cockney, no podías pretender ser Little Richard, querías ser Elvis.

MC: Y tenía más registros, porque Chuck Berry a mí me encanta pero se resumía en un registro, igual que Richard.

DN: Es el gran intérprete del rock and roll. Si hablas del hombre rockabilly, pues es Carl Perkins. El compositor del rock and roll negro, Little Richard. El compositor amable, Fats Domino. El killer, Jerry Lee Lewis. Hacer esa especie de santoral es muy divertido pero lo que mola es consumirlo.

MC: Y si el título lo tuviera Little Richard, la gente te preguntarían por qué no Elvis.

¿Hay algún tótem del rock and roll que no os acabe de llenar o que podáis criticar?

MC: A mí me encanta Chuck Berry. Aunque entiendo que es un tío que se dejó enseguida. Se centró en la pasta y ya está. Aunque las cosas que son más raras me encantan.

DN: Muy de acuerdo. Luego está Bill Haley, que es un poco fórmula. Lo fue buscando de manera consciente, lo que pasa es que consiguió una fórmula impresionante. Y aunque cambiara de músicos siempre sonaba igual. Lo veías y era muy bueno, aunque no fuera innato.

¿Y algún músico en el que os gustaría haber profundizado más?

DN: Suele pasar mucho, eso. Yo tengo muchos. Hay gente que me gusta palparlos pero no sumergirme: Neil Young o Bob Dylan, por ejemplo. Me cuesta por ejemplo entender todas las letras de Dylan y son una de sus grandes bazas. Reconozco su papel en la historia pero no me he sumergido. Y Neil Young, igual.

¿Habéis oído el disco de rockabilly que grabó?

DN: Lo tengo, y no está mal. Afina más de lo normal [risas]. ¿Sabes qué disco es cojonudo fuera del rock and roll? “The fantastic expedition of Dillard & Clark”, para mí el mejor disco de country rock de la historia. Para que luego no digas que solo escuchamos música de un estilo.

jueves, 29 de diciembre de 2016

TIMBER TIMBRE. "TIMBER TIMBRE" (2009). Folk oscuro y minimalista


Los canadienses Timber Timbre son el más palpable ejemplo de cómo se puede ser innovador musicalmente aunque tu punto de partida sean las raíces y el folk. Liderados por Kirk Taylor, natural de Toronto, Timber Timbre llamaron la atención del público (al menos así fue en mi caso) cuando alguno de sus temas formaron parte de la banda sonora de excelentes series de TV como Breaking Bad. En dicha serie se pudo oír la misteriosa y obsesiva "Magic Arrow" en uno de los más memorables capítulos, el titulado "Caballo sin nombre" (como la célebre canción de America, que también suena en el episodio). Y fue "Magic Arrow" la canción que me llevó a conocer este espléndido álbum autotitulado de 2009.


Llama mucho la atención desde el primer momento la desnudez de la música de Timber Timbre. De lo aparentemente sencillo nace un sonido lleno de matices y de misterio. El primer tema del disco, "Demon Host", está hecho básicamente con una guitarra acústica que a ratos se desvanece y una enigmática voz cargada de eco. Solo al final un teclado y unos coros disimulan la desnudez de la canción. Algo más anclada en el blues está el segundo tema, "Lay Down In the Tall Grass", pero en un blues muy sui generi, cercano al que practicaba un freak como Screamin' Jay Hawkins (de hecho algunos pasajes recuerda a su "I Put A Spell On You"... y no solo en la música, también en la obsesiva letra). Por otra parte, tiene también cierto regusto a banda sonora de cine negro. Más oscura aún es "Until The Night Is Over", que suena a algo así como la familia Munster tocando gospel.


El cuarto corte es el imponente "Magic Arrow", que aparece en el mencionado capítulo de Breaking Bad. El tema está recorrido por un maníaco riff western que remite al cow punk de The Gun Club y que descansa sobre una discreta base electrónica que puede recordar al oscuro rockabilly cibernético del primer disco de Suicide o de ese espléndido Collision Drive que se sacó del sombrero el recientemente desaparecido Alan Vega. No hay que perder de vista la sutil letra de Kirk Taylor, llena de alucinantes asociaciones e insinuaciones. En definitiva, un tema redondo.


Mucho más luminoso es "We'll Find Out", un corte con claras referencias al soul y sobre todo al gospel (ahí está ese angelical coro femenino al tiempo que Taylor suelta una particular prédica y ese órgano de iglesia).  Pero en "I Get Low" la banda se vuelve a sumergir en la oscuridad y a hacer guiños a oscuros bluesmen de los 50 con el citado Screamin' Jay Hawkins a la cabeza. El trémolo del teclado ayuda mucho al oyente a ponerse en situación, y la letra, una retahíla maníaca, es de sobresaliente. Y con el siguiente tema, "Trouble Comes Knocking", la banda carga más las tintas en el blues básico y tenebroso y factura un tema de los que hielan la sangre. La letra ya alcanza tintes apocalípticos y el teclado brilla con luz propia cuando recuerda al maravilloso solo de Alan Price de the Animals en "The House of the Rising Sun", tema del que por cierto Kirk Taylor usa el primer verso a modo de sample en el tercer corte de este disco.


El disco, que es de esos que contienen pocas canciones pero muy intensas, se despide con un tema algo más calmado, "No Bold Villain", que remite al blues más folky y en el que destaca el violín de Mika Posen, y deja al oyente con la sensación de haber abierto el frasco que contenía la esencia del alma musical de Norteamérica.


miércoles, 28 de diciembre de 2016

NO SIEMPRE FUE FÁCIL SER UN STOOGE

El Confidencial, 19/05/2016



En una de las escenas de 'Paterson' de Jim Jarmusch, el protagonista y el amo del bar al que acude regularmente comentan la oportunidad de colgar en el Hall of Fame del pub, conformado por efemérides culturales de la ciudad, un recuerdo de la ocasión en que Iggy Pop actuó allí. Es la manera que tiene el cineasta de citar a uno de sus referentes culturales y a la vez amigo, que ya aparecía en otras películas suyas como 'Dead Man' y 'Coffee and Cigarettes'. Pero el tándem Jarmusch-Iggy en Cannes no se limita a este pequeño homenaje. El director también ha presentado, esta vez fuera de concurso, el documental tributo a los Stooges 'Gimme Danger'.

Al contrario de lo que sucedía en 'Year of the Horse', la película que Jarmusch dedicó a Neil Young, en este caso el director apenas se muestra en escena. Jarmusch aparece solo en la introducción donde evidencia que estamos a punto de ver la entrevista que lleva a cabo con Iggy Pop. A partir de aquí, la mano del director de 'Down by Love' se nota poco. 'Gimme Danger' no es tanto un film personal sobre la relación entre Jarmusch y Iggy como un rockumentary más convencional de lo deseado en torno a la banda que abrió las puertas al punk. Por estricto orden cronológico, el líder de The Stooges y los miembros supervivientes de la banda resiguen la trayectoria de la misma.

Drogas e industria musical

El gran mérito de Jarmusch estriba en ofrecer un documental que huye de la tentación idealizadora. La naturalidad con que Iggy Pop habla con su colega director permiten que afronte temas como la forma en que las drogas perjudicaron el grupo, los males de la industria musical, los desencuentros entre los integrantes de la banda, su forma de entender el comunismo, la relación con David Bowie, la arquitectura de las canciones del 'Raw Power' y cómo la poderosa guitarra de James Williamson llegó a tapar el bajo del antiguo guitarra Ron Asheton mientras Iggy se veía obligado a cantar una octava por encima de lo habitual, lo jodido que resulta tocar en directo cuando el público se ha acostumbrado a lanzarte botellas en los conciertos o lo difícil de renunciar a la banda y volver a casa.

Como ya llevaba a cabo de forma magistral Julien Temple en 'La mugre y la furia', Jarmusch recurre a imágenes de archivo de películas, series de televisión, documentales y, cómo no, sketches de The Three Stooges que no tienen nada que ver con la banda como comentario irónico o contrapunto de aquello que se está narrando para mostrar cómo la carrera de los Stooges se desarrollaba a la contra de todo el imaginario oficial de la época en Estados Unidos difundido por el cine y la televisión. En algunas escenas, una animación original permite reconstruir algunas de las anécdotas relatadas por el cantante, como aquella en que explica cómo secaba la marihuana en la lavandería del lado de la caravana donde vivía con sus padres.


La película también está trufada de comentarios que protagonizan desde Andy Warhol a Nico (“junto a John Cale parecían Morticia y Gómez de La familia Addams”). La trayectoria de los Stooges se apoya en todo tipo datos, de manera que la película resulta por momentos excesivamente wikipedista. Tampoco se detiene demasiado en las canciones, hasta el magnífico montaje final en el que podemos escuchar por primera vez 'I Wanna Be Your Dog' entera, la canción con probablemente el mejor riff de la historia de la música.