VETIVER. "UP ON HIGH" (2019). La experiencia es un grado

Parece que fue ayer (pero ya han pasado casi 20 años) cuando la prensa musical más indie pregonaba a los cuatro vientos la aparición de una nueva generación de grupos folk. El neo folk venía precedido de su buque insignia, Devendra Banhart, un artista que para mi gusto tenía más de bluff que de otra cosa. Sin embargo, ha habido bandas que a la sombra del mencionado barbudo buenrrollista han ido creciendo hasta sacarle unas cuantas cabezas de ventaja al bueno de Banhart. Tal es el caso de Vetiver, una banda capitaneada por un geniecillo del folk y del pop americano llamado Andy Cabic.

Al igual que el buen vino, el sonido de Vetiver ha ido mejorando con el tiempo hasta llegar a este Up on High, aparecido el pasado 1 de noviembre, que a mi juicio roza la perfección. El disco, se mire por donde se mire suena con una coherencia y un equilibrio admirables. El LP se abre con "The Living End", que empieza como una tonada folkie pero que va ganando toques poprockeros especialmente en el estribillo, gracias a la discreta pero efectiva ayuda de la guitarra eléctrica. Y con gusto agridulce (mezcla de melancolía y luminosidad) en el paladar, el oyente se asoma al segundo corte, "To Who Knows Where", un tema cálido y delicioso en el que Cabic me recuerda a otro genio olvidado del pop-folk americano, Devin Hill. Los toques country de la pedal steel hace que la canción se ponga literalmente a punto de caramelo. Uno de los mejores cortes del disco. Y después de tanta melosidad, Cabic y los suyos imprimen ritmo al álbum con "Swaying", un tema que nos transporta a los primeros discos de REM, Murmur y sobre todo, Reckoning, cuando los de Athens sonaban más frescos y campestres que nunca. El arpegiado del tema le da a la canción un embrujo indescriptible. Y entonces vuelvo a pensar en Peter Buck e incluso en el mismísimo Roger McGuinn, y todas esas guitarras que suenan como campanillas. Otro punto álgido de este grandioso LP. También muy rítmico y juguetón es el siguiente corte, "All We Could Want", donde la banda se acerca al power pop de los 70 con esos contagiosos riff de guitarra eléctrica.

Con "Hold Tight", el combo hace un pequeño receso en el LP. Aquí hay un cambio de tercio y la melancolía folkie da paso a un tema jazzy, e incluso, podríamos decir funky, siendo este corte el más singular de un disco, por lo demás muy compacto estilísticamente hablando. Pero con "Wanted, Never Asked", Vetiver vuelve al pop más jangly y es cuando suenan más al Reckoning de los REM que nunca. Otro temazo. Mucho más folkie, más íntimo y más delicado es "A Door Shuts Quick", que es el tema más acústico del disco. También tiene ciertas texturas beatleianas pues recoge especialmente la influencia de George Harrison con su "Here Comes the Sun" a la cabeza. Una delicia.

Vuelve el ritmo rockero con "Filigree", una de las canciones que más me gusta del disco porque lo tiene todo. Garra, delicadeza, melodía y buenas guitarras. Aquí Vetiver se vuelve a inspirar en los sonidos más luminosos de los 80, los de bandas como Felt. Otra cima del LP. Por su parte, el tema que da título añade más melancolía folk al conjunto. A destacar la  reverb de la guitarra que da al corte cierta textura bluesy. Y para terminar, con "Lost in Your Eyes", Vetiver vuelve a hacer otro guiño a los 80, sobre todo a Jesus And Mary Chain (los del segundo LP) o los Yo la Tengo más acústicos.

En definitiva, un disco equilibrado al que no le falta de nada y al que es difícil ponerle un pero. Y es que la experiencia es un grado. Ahí están Vetiver para corroborarlo. 

WILCO: PORTENTOSO Y LIBERADOR TWEEDY

Laura Fernández 

El País, 16/10/2019

El nuevo álbum de la banda recibe una calificación de 9 sobre 10

Parece Jeff Tweedy con Wilco empeñado en extraerle a la tristeza hasta la última gota de belleza, una belleza de poderosa de americana casi siempre delicadamente rock, un alt country, o art rock, que aquí, en su disco número 11, suena equilibradamente desnudo, conciso y portentosamente liberador. Se abre, Ode to Joy, con un percusivo corte, Bright Leaves, queno solo es un intento de algún tipo de redención sino una manera de adentrarse en el universo de un álbum en el que cada canción se construye, en todas direcciones, desde un centro marcado por, sí, algún tipo de mantra (la suplicante Before Us explora la épica de aquel que lo ha perdido todo), que a veces son amenazantes sacudidas (Quiet Amplifier se abre a una digresión muy Being There, lejano pero esencial segundo álbum de la banda, y es, para Tweedy, el más “perfecto” experimento del álbum) y a veces explota en solos reconfortantemente musculosos (previo palmeo) como el que sitúa en el corazón de, por ejemplo, la perfecta pieza de cámara Hold Me Anyway o intenta grabarte a fuego en una juguetona, Citizens. 

Como en un western apocalíptico, el sonido se vicia y se condensa hasta estallar en el diálogo jam de We Were Lucky, el corte que da paso al luminoso (y ya nuevo clásico de la banda) Love Is Everywhere (Beware), con un saturado y preciosista riff tan altamente disfrutable como el pop excelentemente dibujado de Everyone Hides. Se diría que los de Chicago caminan siempre por tierra firme y que exploran, tímidamente, a cada nueva entrega, los límites de un sonido – un marcadísimo estilo, cada vez menos progresivo – al que van incorporando cada nuevo hallazgo como si de un pequeño tesoro se tratase. Aquí, lo incorporado, lo explorado, es la percusión, en todas sus variantes, y el resultado es, decíamos, un álbum, en cierto sentido, mántrico, contundente, árido, en el que la voz, aterciopeladamente rota de Tweedy, juega a expandir hacia una fragilidad, por momentos mantenida y a ratos derribada por los numerosos elementos de que se nutre cada canción, contenedores, todas ellas, de ideas – pianos encontrándose, coros alzándose – brillantes. Tweedy dice estar especialmente orgulloso de este disco, y no le falta razón.

Un álbum, aseguran, protesta, pero de una protesta íntima, como todo lo que, se diría, firma el de Chicago, y uno, en este caso, que crece a cada escucha pero que se sitúa, desde la primera, cercano a la cima más alta alcanzada por la banda hasta la fecha.

“LOVE WILL TEAR US APART”: CUANDO IAN CURTIS LE CANTÓ A SU DESGRACIA

Felipe Retamal N.

Culto, 14 Feb 2019 

Inspirado en su crisis matrimonial y personal, el vocalista escribió la letra de la canción, que paradójicamente resultó la más exitosa de Joy Division. En esta también se pueden oír las influencias de la música electrónica en la banda.

A diferencia de otras agrupaciones que dependen del talento de uno o dos músicos, en Joy Division se componía de forma colaborativa. Encerrados en su sala de ensayo, en el local de TJ Davidson, los de Manchester creaban su material a partir de improvisaciones o alguna idea base. Así sucedió con “Love will tears us apart”.

Según relata el guitarrista Bernard Sumner en su autobiografía New Order, Joy Division y yo (2015, Sexto piso), la canción partió con una frase tocada por Peter Hook en el bajo, a lo que sumó el resto. “Recuerdo claramente a Ian [Curtis] preparando el riff mientras nosotros estábamos improvisando, y fue sugerencia suya mantenerlo a lo largo de toda la canción”.

Era agosto de 1979 y Curtis no pasaba por un buen momento. Su matrimonio con Deborah se encontraba en crisis, a tal punto que él le pidió que no asistiera más a los conciertos de su grupo. En su libro Touching from a Distance (1995, Faber and Faber), ella narra los difíciles años de casados. “Nuestra existencia se había vuelto aburrida y el hecho de que ambos odiásemos nuestros trabajos no ayudó. Me deprimí mucho. Nos habíamos agobiado por error con una hipoteca y una estabilidad para la que no estábamos preparados”.

Lo cierto es que por esos días, él buscaba su felicidad en otras personas. Su interés sentimental estaba en Anne Honoré, una periodista belga que conoció durante una actuación. Al poco tiempo ella entrevistó a la banda para un fanzine. Desde ese día, comenzaron a verse y entablaron una relación que se mantuvo por un tiempo.

El vocalista también debía lidiar con sus crecientes crisis de epilepsia, las que le dificultaban las presentaciones en vivo con el cuarteto. En escena él imitaba los movimientos bruscos de la enfermedad, lo que causaba una impresión a la audiencia, que poco a poco comenzaba a demandar más de él.

Ese torbellino de emociones empujaron a Curtis a escribir la oscura y pesimista letra de “Love Will Tear Us Apart”.“Cuando la rutina muerde fuerte/Y las ambiciones son bajas/Y el resentimiento viaja alto/Pero las emociones no crecerán”, canta al inicio. En parte, también es una respuesta cínica a “Love Will Keep Us Together”, un exitoso tema de pop que Captain & Tennille había lanzado en 1975.

Como una cruel broma del destino, los días de oscuridad de Curtis coincidían con una creciente atención sobre Joy Division. En septiembre hicieron su famosa aparición televisiva en el programa “Something Else” de BBC, donde tocaron “Transmission” y “She’s Lost Control”, con un público que los miraba atónitos.

Días después comenzaron una gira por Gran Bretaña como teloneros de Buzzcocks. En esa fecha estrenaron en vivo “Love Will Tear Us Apart”, la que casi de inmediato se volvió una canción de culto para los seguidores de la agrupación. El 26 de noviembre grabaron una segunda sesión para el conocido programa del Dj John Peel oportunidad en que registraron una versión del tema.

En lo musical, la composición reunía ciertas referencias del grupo. “La entrada puede haber estado influenciada involuntariamente por ‘Anarchy in the UK’ de los Sex Pistols -ese tipo de fuerza que zumba, que golpea-, mientras que el riff parece la prima segunda de una canción nuestra anterior, tituada ‘Novelty’”, recuerda Sumner en su texto autobiográfico.

Un sonido muy característico del tema es el sintetizador Arp Omni II tocado por el guitarrista, el que luego usaría para temas como “Decades” y “Atmosphere” del disco Closer, el segundo y último del conjunto. Ello respondía al creciente interés de los músicos por la electrónica, influenciados por Kraftwerk.

Finalmente registraron el tema en marzo de 1980, como parte de las sesiones de Closer. Poco tiempo después, a un día de partir a su primera gira a Estados Unidos, Curtis no soportó más los problemas y se suicidó en su hogar. El sencillo se lanzó en junio de ese año y alcanzó el lugar 13 de UK Singles Charts, la mejor posición que alguna consiguieron.

“Esa canción lo tiene todo. Una gran línea de bajos, maravillosos sintetizadores, un gran escaparate de la batería de Steve, la guitarra simple pero efectiva que se convirtió en una de nuestras marcas registradas”, detalló el bajista Peter Hook a Songfacts en 2014.

“Es una de las canciones de amor más hermosas que se hayan hecho nunca. No es una canción de amor al uso, no es un himno triunfal vacío que pretenda romper el corazón o algo así; es auténtica, es real, se balancea de un lado a otro entre la fuerza absoluta y la introspección reflexiva, porque eso era exactamente lo que le estaba sucediendo a la persona que escribió la letra”, concluye Sumner.

MUERE ROBERT HUNTER, LETRISTA DE GRATEFUL DEAD: "LA BANDA SONORA DE NUESTRAS VIDAS"

El Confidencial, 25/09/2019 12:26

[Lo dicho: qué mala temporada...]

El grupo ha anunciado la muerte de su letrista asegurando que estuvo "rodeado de amor" y pide a los fans que lo recuerden como él hubiera querido: escuchando música

El escritor estadounidense Robert Hunter, que fue letrista y miembro de Grateful Dead, ha muerto a los 78 años, según ha confirmado este miércoles la página web oficial de este emblemático grupo de rock. Hunter comenzó a trabajar junto al grupo estadounidense desde 1967.

"Que te vaya bien, señor Hunter. Te queremos más de lo que las palabras pueden decir... Para un hombre que nos aportó tantas palabras significativas, la banda sonora de nuestras vidas, nos ha dejado un poco sin palabras con su fallecimiento", dijo el mensaje en la web que confirmó la muerte de Hunter.

La familia de Hunter había anunciado este miércoles previamente su muerte en un comunicado remitido a medios estadounidenses. "Murió de forma tranquila en casa y en su cama, rodeado de amor. Su esposa Maureen estaba a su lado dándole la mano (...). En este momento de pena, por favor, celebradle de la manera que todos sabéis: estando juntos y escuchando su música", dijeron sus familiares en esa nota.

Hunter fue una figura clave en la carrera de Grateful Dead, uno de los grupos más influyentes de la contracultura de los años 60 en Estados Unidos.

Mientras la banda liderada por Jerry Garcia se adentraba en misteriosos, sugestivos y excitantes caminos entre el rock y la psicodelia, Hunter, pese a no ser un músico de Grateful Dead, se encargaba de escribir las letras. El recién fallecido es el autor de temas como 'Box of Rain, 'Dark Star' o 'St. Stephen', entre muchas otras.

El cantante ha publicado varios mensajes en Twitter en homenaje al fallecido, entre ellos, una de sus letras. "Ha llenado nuestras vidas con las palabras que compartimos en las canciones, en la amistad, en el amor y ahora en el dolor", escribe en uno de ellos.

La importancia de Hunter en Grateful Dead quedó reflejada en que, cuando la banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1994, su letrista también fue reconocido con esa distinción pese a no ser un músico del grupo.

Al margen de su obra para el grupo, Hunter también colaboró para otros artistas de mucho prestigio como Bob Dylan, con quien, por ejemplo, escribió todas las canciones excepto una del disco 'Together Through Life' (2009)

MUERE A LOS 75 AÑOS RIC OCASEK, LÍDER DE THE CARS

Darío Prieto

El Mundo, 16/09/2019

[Vaya mala racha que llevamos...]

Figura emblemática de la 'new wave' neoyorkina, fue también productor de numerosos grupos, de Suicide a Weezer.

Ric Ocasek, líder y cantante de la banda de The Cars, ha sido encontrado muerto este domingo, según informó la Policía de Nueva York. En un comunicado recogido por AFP, la Policía explica que recibió una llamada, "por un hombre inconsciente en la calle 19 Este. Se declaró su muerte en el propio lugar". El cuerpo de Ocasek, de 75 años, no presentaba signos de violencia.

The Cars fueron el reflejo estadounidense de lo que al otro lado del Atlántico se conoció como 'new wave'. En su caso, su respuesta al punk consistió en darle un barniz más pop y electrónico, con canciones como 'Shake it up', 'Drive', 'You might think' y 'Tonight she comes', que llegaron al 'top 10' de las listas de éxitos en la década de los 80.

The Cars publicaron seis discos entre 1978 y 1987. Tras la disolución del grupo, Ocasek se centró en sus proyectos en solitario (publicó siete discos con su nombre) y, sobre todo en la producción, labor que ya había desarrollado de forma paralela a la banda. Así, llevan su firma los trabajos en el estudio de Suicide, Lloyd Cole, Bad Brains, Weezer, Bad Religion, Nada Surf, No Doubt, Guided by voices, Le Tigre...

En el año 2011 The Cars se volvieron a reunir con la publicación de 'Move like this', su primer álbum desde 'Door to door' (1987). Con ese nuevo álbum, regresaron al 'top 10' de las listas estadounidenses, que dio pie a una brevísima gira de 10 conciertos por Norteamérica, aunque no tuvo una continuación y el grupo volvió a disolverse poco tiempo después.

El grupo no volvió a aparecer reunido hasta el año pasado, cuando pasaron a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame junto a Bon Jovi, Moody Blues, Dire Straits, Nina Simone y Sister Rosetta Tharpe. En la gala, y acompañados por Scorr Shriner, bajista de Weezer (en sustitución de Benjamin Orr) The Cars interpretaron cuatro temas de su discografía: 'You Might Think', 'My Best Friend's Girl', 'Moving in Stereo' y 'Just What I Needed'.

Ric Ocasek, que estuvo casado en tres ocasiones, deja seis hijos.