viernes, 21 de octubre de 2022

LOS RAMONES Y LA HISTORIA DEL LOGO MÁS FAMOSO DEL ROCK AND ROLL

Esquire, 15/04/2022

No siempre son los músicos los que consiguen que su grupo ocupe lugar en la historia. Que una banda mítica como fueron los Ramones siga presente en camisetas de cualquier parte del mundo más de 20 años después de su disolución, es culpa tanto de un hombre llamado Arturo Vega como de Joey, Johnny, Dee Dee y Tommy (y de CJ, Richie y Marky).

Vega, que falleció en 2013 a los 65 años, fue por derecho propio el quinto Ramone. No solo fue su director creativo y biógrafo, también su amigo, su confidente, la persona que les proporcionó su primer espacio para ensayar (su loft) y sobre todo, la persona que diseñó su legendario logo, basado en el sello presidencial de los EE.UU. Un logo que, he dicho en el titular, es el más famoso del rock. Y soy consciente de que la lengua de los Rolling Stones es un duro competidor. Pero si hay que decretar un ganador por su visibilidad hoy en día por la calle, incluso vestido por gente que no tiene ni pajolera idea de quiénes eran los Ramones, el de la banda neoyorquina es claro ganador.

“Pensé que el sello del presidente de los Estados Unidos era perfecto para los Ramones”, le dijó Vega, nacido en México, al escritor Jim Bessman en una entrevista. “Con el águila sujetando las flechas para simbolizar la fuerza y la agresividad contra el que quisiera atacarnos, y una rama de olivo, para ofrecer a los que quisieran la paz. Pero decidí hacer unos cambios. En vez de la rama de olivo dibujé una de manzano, porque los Ramones eran tan americanos como la tarta de manzana. Y como Johnny era un fanático del béisbol, puse un bate en vez de las flechas”. Cabe señalar que al principio la rama de manzano tenía dibujadas sus manzanitas y todo, pero Joey decidió quitarlas porque le parecían tomates.

Arturo Vega, diseñador del logo

Conseguir la imagen perfecta de tu negocio –y una banda es un negocio como otro cualquiera– es crucial para el éxito. Y los artífices del “hey ho let's go!” lo lograron de sobra. Igual que el logo gótico de AC/DC, inspirado en una fuente usada en la Biblia de Gutenberg, fue clave también en el éxito de los australianos.

Esta es sin duda una pieza fundamental en la iconografía de la música moderna, y no solo por haberse estampado en camisetas hasta la saciedad. Cuando la pancarta con el logo aparecía en escena en los conciertos de la banda, el público se volvía loco, antes incluso de que los Ramones salieran a tocar.

El mexicano siguió controlando muchos años después de que el grupo se rompiera en 1996 la licencia de la marca Ramones desde su casa en Manhattan, muy consciente de que el rock y la moda iban de la mano. En su momento afirmó que había rechazado poner el famoso logo en ropa para perros, gorros de cowboy y una línea de vaqueros de diseño. “Los Ramones llevaban vaqueros normales, no de diseño. No estaría bien”, aseguró.

jueves, 20 de octubre de 2022

NICO, DEMASIADO GUAPA PARA SER ARTISTA

Ulises Fuente

La Razón, 15/10/2022


La vida de la actriz, modelo y cantante se ha explicado siempre como la musa, grupi o amante, pero nunca como creadora: una biografía desmonta el tópico.

Su vida fue una auténtica película. Nico, nacida Christa Päffgen (1938 -1988), huyó del fantasma de la Alemania nazi para convertirse en modelo, actriz, músico y testigo directo de varias décadas del arte del siglo XX. Actuó en «La dolce vita» a las órdenes de Fellini, fue modelo en París, participó de la Factory con Andy Warhol, fue vocalista en The Velvet Underground y desarrolló una carrera musical vanguardista y bizarra durante casi dos décadas. Sin embargo, la alemana ha pasado a la historia como sujeto pasivo, como «musa de» y «compañera sentimental» más que como una identidad propia o una creadora con universo propio. Jim Morrison le animó a escribir, fue cortejada por Leonard Cohen, con Bob Dylan mantuvo un romance corto y una larga amistad y tuvo un hijo con Alain Delon del que jamás se ocupó el actor francés. Su apabullante belleza y su misteriosa personalidad, convertida en oscuro objeto de deseo, desencadenaron todo tipo de clichés, leyendas urbanas y retratos superficiales que una exhaustiva biografía escrita por Jennifer Otter Bickerdike («You Are Beautiful and you Are Alone», Contra) trata de desmantelar.

El primero de esos clichés y el que más irrita a Otter Bickerdike es el de grupi: «Si tienes la oportunidad de tener amistad o de acostarte con gente guapa e inteligente porque eres atractiva, por supuesto que lo harás. Lo haría cualquiera en este mundo, hombre o mujer. Todos queremos conocer gente interesante, rica o atractiva y no ves a nadie llamando por ello a Mick Jagger el mayor grupi de la historia porque se acostó con no se cuántas mujeres y accedió a la alta sociedad británica. Pero a Nico se lo reprochan porque es mujer y eso me enfada mucho, porque tendría que ser una heroína o un mito, pero su vida la han contado solo los hombres desde el punto de vista de los hombres», dice en entrevista telefónica la biógrafa, que comenzó el libro sin tener la menor referencia de la vida de Nico. «Lo que más valora la gente es tu apariencia. En el caso de una mujer, es todavía más su capital económico». Ella lo utilizó para salir de la Alemania en la que todavía había cadáveres pudriéndose en las calles y donde, según se cuenta en su biografía, ella misma sufrió una violación a manos de un soldado del ejército estadounidense, algo que, según otro mito inexacto, la condujo a posiciones racistas y antisemitas el resto de su vida. «Es completamente falso. Tuvo decenas de amigos judíos en Nueva York y cuando tuvo un incidente, en el que aparentemente la lanzó un vaso a una mujer negra, no se trataba de un ataque a su color de piel, sino precisamente a que estaba lanzando un alegato sobre la opresión y ella, que se consideraba tan víctima como cualquier afroamericano, le contestó. No está claro que le arrojase nada», explica su biógrafa.

Con el pasaporte de su belleza, llegó a París en 1956, un ciudad inundada de jazz y de moda. Se empapa de música de Chet Baker o de Bessie Smith mientras trabaja para Coco Chanel (o eso dijo, aunque no hay un registro claro), y mantiene (esto sí está probado) una aventura con Jeanne Moreau y también con Ernest Hemingway. Gana muchísimo dinero, padece la insoportable presión sobre su físico y su timidez causa las primeras confusiones con la altanería. Mucha gente empieza a considerarla fría e insustancial. Sin embargo, Nico mira y aprende en segundo plano.

Tras aparecer casi por casualidad en «La dolce vita» (1960) de Fellini, trata de hacer carrera en el cine con poco éxito. La moda le resulta aburrida e insustancial pero paga las facturas. Conoce a Alain Delon y se queda embarazada, pero el actor niega que Ari, el niño que guarda un enorme parecido con él, sea su hijo. Nunca se hará cargo de él ni de otros tantos que tuvo y no reconoció. Nico ya ha decidido que quiere ser artista, pero con el dinero de la moda compra una casita en Ibiza para su madre, lejos de la fría y cruel Alemania. Sin embargo, nunca logra adaptarse, desarrolla una manía persecutoria, una paranoia que destroza sus nervios y que ella empeora con grandes cantidades de alcohol.

Nico conoce a los Rolling Stones y mantiene una turbulenta relación con Brian Jones, como no podían ser las cosas de otra manera con alguien que podría ser un buen músico, pero un perfecto energúmeno como ser humano. En Nueva York actúa en bares pequeños con sus propias canciones, medio susurradas medio recitadas, anunciada como «La chica de la dolce vita» pero su apariencia deja congelado a Paul Morrisey, socio de Andy Warhol, que por esa época reniega de las artes plásticas y está pensando en el videoarte. También necesita una banda de música para un local que piensa abrir en Chelsea y quiere que Nico sea quien la lidere. Warhol piensa que ese grupo, The Velvet Underground, pueden servirle de acompañamiento. «La Velvet no habría existido sin Nico –dice Otter–. Yo eso no lo sabía hasta que hice la investigación del libro. Ella era la estrella, Warhol la quería a ella. Y Lou Reed quería ser tomado en serio y convertirse en una estrella, así que la trató horriblemente. Hay unos celos de evidentes. La trató muy muy mal y lo más triste es que él ha quedado como el héroe del rock y ella como si fuera basura. Cuando publiqué el libro pensé que los fans de la Velvet harían cola en la puerta de mi casa con antorchas», bromea la escritora. Para complicar aún más la situación, entre ellos hubo una relación amorosa. «Muy fuerte, además, lo que lo hacía peor todavía. Se tenían admiración mutua y se amaban, pero él la trató tan mal... Todo para ser una estrella. Había muchos elementos en esa situación: la presión del dinero, las drogas, el éxito, la fama y el amor... es humano». Aparentemente, ella se cansó y le dijo que «ya no podía acostarse más con judíos», comentario que alimentó las brasas de su supuesto antisemitismo, al que que la biógrafa descarta de un plumazo: «solo estaba siendo un poco malvada, un poco perra. Es la manera en que se relacionaban en la Factory. Es una maldad entre amigos». Tras aquello, Reed no paró hasta aislarla del grupo y boicotear su carrera en solitario.

Nico se enganchó a la heroína y en los setenta se relacionó con Philippe Garrel, un cineasta con el título de maldito con quien rodó “La cicatriz interior” y consumía droga con la disciplina de una yonqui. Fue una época oscura. Su madre había fallecido y ella sentía la frustración de hacer un tipo de música casi imposible de comercializar de los que “Chelsea Girl” o “The Marble Index” son los dos ejemplos más notables pero que componen una obra de canciones “bizarras, extrañas, frikis, locas pero que resultaban más innovadoras y vanguardistas que nada que se estuviera haciendo en ese momento ni años después”, dice la biógrafa. Para Otter, “las mismas costumbres, en el caso de John Cale y Lou Reed les convirtió en poetas y referentes de una generación. En verdaderos artistas jugándose la vida”. La contribución de Nico a la Velvet Underground ha sido, es cierto, minimizada, y tampoco contribuyó a cambiar esa mirada su obra posterior, que la propia Otter describe como “música para suicidarse”. En los ochenta, previo paso por varios psiquiátricos, la oscuridad fue bajando la intensidad. Nico tuvo el olfato de instalarse en la nueva meca cultural, Manchester, y consiguió dejar la heroína. se traslada a vivir a Ibiza. Una mala caída de la bicicleta en 1988 le costó la vida por una hemorragia cerebral. Tres hospitales le negaron el ingreso por su aspecto y las marcas de los pinchazos en los brazos. Ella, que hablaba siete idiomas, no podía comunicarse por el golpe en la cabeza.

Una herencia y un fantasma

Una de las realidades más terribles de la vida de Nico es que pasó la maldición de la heroína a su hijo Ari. No de una forma metafórica, sino que realmente le indujo al consumo, le proporcionó la droga y la jeringuilla, como el joven reconoció en una entrevista posteriormente. Ari fue criado por su abuela (la madre de Alain Delon) por quien fue adoptado legalmente y se reencontró con su madre cuando tenía 19 años. Nico jamás fue capaz de dejar atrás al fantasma de Alain Delon. Estando con ella, su hijo sufrió episodios de sobredosis e ingresos por colapso nervioso. “Para mí fue una madre muy buena. Me lo dio todo, hasta las drogas. Lo viví con ella si que fuera un problema. Al final, compartíamos la droga, la jeringuilla. Era una forma de estar juntos”. Lo primero que hizo Ari con el dinero de los derechos de su madre, tras fallecer, fue comprar un gramo. Después de varios ingresos, dejó las drogas. Hoy tiene una familia.

miércoles, 19 de octubre de 2022

FALLECE ROBERT GORDON, HÉROE DEL ROCK AND ROLL REVIVAL

Jesús Sanz Morales

Plásticos y decibelios, 19/10/2022

[Otro de los grandes que se va.]


Robert Gordon, cantante que se hizo famoso a finales de los 70 y primeros años 80 como uno de los principales abanderados del revival del rock and roll original y el rockabilly, falleció ayer martes a los 75 años. Los buenos aficionados le recordarán siempre por su buena percha, gran tupé y sensacional voz de barítono.

La noticia la confirmó su sello discográfico, Cleopatra Records. La familia de Gordon había creado una página de GoFundMe el mes pasado, señalando que el cantante había estado en el hospital durante seis semanas mientras luchaba contra una forma de leucemia mieloide aguda.

“La increíble voz de Robert y su música no solo volvieron a poner al rockabilly en el mapa, sino que crearon recuerdos para todos nosotros. Una voz como la suya, junto con la autenticidad que aporta a la música, es inolvidable y no aparece muy a menudo”.

El vicepresidente del sello de Gordon, Matt Green, ha dicho en un comunicado:

“Cleopatra Records quisiera ofrecer nuestro más sentido pésame a su familia y amigos. Nos gustó trabajar con Robert, y extrañaremos su poderosa voz de barítono, así como su dedicación enfocada a su música”.

Nacido en Bethesda, Maryland, Robert Gordon se interesó en la música desde una edad temprana, citando la mítica y mágica “Heartbreak Hotel” de Elvis Presley como una de las principales inspiraciones para iniciar una carrera musical. A esa influencia se añadieron las de otros viejos rockers como Gene Vincent, Billy Lee Riley y Eddie Cochran.

A lo largo de los años sesenta, se interesó más en artistas de R&B como James Brown y Otis Redding que en las bandas de la Invasión Británica. Gordon hizo su debut discográfico a los 17 años en la banda The Confidentials.

A mediados de los 70s se mudó a Nueva York y se unió a los Tuff Darts, banda de punk- power pop habitual del CBGB. En 1976, la banda grabó las canciones “All for the Love of Rock and Roll”, “Head Over Heels” y “Slash”, para el recordado álbum recopilatorio “Live at CBGB’s” que incluía varias bandas locales, entre otras a unos primerísimos Mink Deville.

Mientras Gordon todavía estaba en los Tuff Darts, el productor Richard Gottehrer, quien también ayudó a lanzar las carreras de Blondie y Ramones, sugirió que el cantante intentara trabajar en música de estilo rockabilly con el guitarrista y pionero del rock instrumental (y unos de los padres del garaje) Link Wray.

Su primer álbum juntos, “Robert Gordon With Link Wray” de 1977, fue lanzado con poco bombo por el sello Private Stock, pero comenzó a llamar la atención después de la muerte de Elvis ese mismo año. Gordon y Wray luego hicieron un segundo LP “Fresh Fish Special” de 1978, que incluía la versión de “Fire” de Bruce Springsteen, que también grabaron por entonces las Pointer Sisters.

En 1978 Gordon firmó con RCA Records, el sello de Presley, y se convirtió en un revivalista de lujo del rock and roll con sus brillantes y convincentes interpretaciones del viejo rock and roll. Pero no solo salía airoso haciendo a los clásicos de los 50, tenía buen ojo, voz, y grupo, para salir bien parado en sus versiones de contemporáneos como Marshall Crenshaw o el propio Boss.

Llegó al Hot 100 de Billboard en un par de ocasiones: primero con una versión de “Red Hot” interpretada con Wray (No. 83 en 1977) y con su fantástica versión de “Someday, Someway” de Crenshaw en 1981 (No. 76).

Billy “The Kid” Emerson publicó el original de “Red Hot” en Sun Records en 1955, pero realmente lo que versionaron tanto Robert Gordon como los Beatles punk de Hamburgo no fue el original, sino la versión de Billy Lee Riley.

Lanzó tres álbumes para RCA: “Rock Billy Boogie” en 1979, “Bad Boy” en 1980 y “Are You Gonna Be the One” en 1981, discos en los que participaron grandes músicos como Chris Spedding, Danny Gatton, Lance Quinn o Tony Garnier, sin embargo, a partir de ese momento su carrera comenzó a decaer.

Entre 1994 y 2020, dispersamente, lanzó seis discos más basados ​​en el rockabilly y el blues, y siguió realizando giras por todo el mundo, compartiendo cartel con Glen Matlock de Sex Pistols, Kiss y Bob Dylan, entre muchos otros.

Su último álbum “Hellafied”, verá la luz el próximo 25 de noviembre, desgraciadamente ya a título póstumo.

martes, 2 de agosto de 2022

EL BRILLANTE Y FASCINANTE SONIDO RICKENBACKER

Jesús Sanz Morales

Plásticos y decibelios, 19/07/2022

Los Byrds dieron a conocer su música al mundo en 1965, y si en ella destacaba algún instrumento, algún sonido, era el de la guitarra de 12 cuerdas Rickenbacker de Roger McGuinn, por entonces Jim McGuinn, una guitarra que los Byrds popularizaron, pero que los Beatles ya venían utilizando desde su aparición en The Ed Sullivan Show, y en la película “A Hard Day´s Night”, en la que George Harrison salía con una de doce cuerdas colgada.

Pero Rickenbacker ya tenía una historia fascinante antes de los Beatles. En el libro publicado recientemente “Rickenbacker Guitars: Out of the Frying Pan Into the Fireglo” de Martin y Paul Kelly se narra la evolución del instrumento, desde los planos de diseño iniciales hasta su lugar en el escenario internacional del rock ‘n’ roll posterior. Allison Rapp lo ha recordado para Ultimate Classic Rock.

“La música electrónica y la cultura popular evolucionaron simultáneamente y eso es algo que siempre me ha fascinado: cómo la tecnología permitió a los músicos y cómo los músicos ayudaron a impulsar esa tecnología. Cambió nuestro mundo. Meter 90 años de historia en un libro de 330 páginas fue sin duda un desafío, pero estoy satisfecho con el resultado”, explica Martin Kelly.

El libro, por supuesto, incluye secciones dedicadas a artistas que llevaron la imagen y el sonido de los Rickenbackers al público en general, como John Lennon y Harrison, pero también Tom Petty, Paul Weller, Susanna Hoffs, Johnny Marr, Geddy Lee, Peter Buck y probablemente el mayor admirador del instrumento, Roger McGuinn.

El cofundador de Byrds vio por primera vez esas maravillosas Rickenbackers en “A Hard Day’s Night” de los Beatles. Había visto la película con sus compañeros de banda, quienes se enamoraron de la idea de convertirse en auténticos músicos de rock ‘n’ roll.

“Cuando salimos del cine, David Crosby se balanceaba alrededor de un poste de luz como Gene Kelly en Cantando bajo la lluvia y decía: ‘¡Esto es lo que quiero hacer, esto es genial!'”, recuerda McGuinn en el libro.

En ese momento, Gibson y Fender eran las marcas más populares, Rickenbacker todavía era bastante desconocida, pero la guitarra de 12 cuerdas de Harrison, en particular, llamó poderosamente la atención de McGuinn.

“Pensé que era realmente efectivo, un gran sonido”.

Un sonido brillante, agudo y metálico, que también fue la marca de Pete Townshend al frente de The Who en los años sesenta.

Rickenbacker Guitars: Rock'n'Roll's Most Desirable Instruments?

McGuinn cambió un par de guitarras más por su primera Rickenbacker y quedó prendado desde el primer momento. El guitarrista explica que Tim Dixon, primer mánager de The Byrds le pidió que describiera el sonido Rickenbacker, y McGuinn contestó:

“Como un isótopo de uranio en una bola de caramelo”.

Con la ayuda de McGuinn, la guitarra pasó de ser una marca estadounidense poco conocida a ser un instrumento codiciado en todo el mundo. Él usó con frecuencia su Rickenbacker de 12 cuerdas en las canciones de Byrds, otorgando un aire diferente y aireado a clásicos como “Mr. Tambourine Man”, “Eight Miles High”, “I See You” o “Turn! Turn! Turn!”.

Los Byrds bebían de los Beatles, pero, tras su espectacular arranque en 1965, los Beatles acabaron siendo sus fans y cogiendo de ellos, por ejemplo en “If I Needed Someone”, que, tal y como el publicista de los Beatles, y de los Byrds, Derek Taylor, le hizo saber a McGuinn, estaba directamente inspirada en “The Bells of Rhymney”.

“Todos vivíamos en Laurel Canyon y Taylor vino a mi casa con esta cinta de carrete a carrete… Un pequeño carrete de cinta de tres pulgadas. Y dijo: ‘George quiere que sepas que escribió esta canción basada en tu lick en ‘Bells of Rhymney’… No podía creerlo. Fue un gran honor”, recuerda McGuinn.

Años más tarde, ambos pasaron tiempo juntos en la finca Friar Park, donde Harrison incluso volvió a tocar la mismo Rickenbacker que usó en “A Hard Day’s Night”.

Según Kelly, la visibilidad del Rickenbacker, en la televisión o en portadas de álbumes famosos, como la magnífica “Damn the Torpedoes” de Tom Petty, es una gran razón por la que el instrumento se ha mantenido.

“La asociación de intérpretes ha sido una gran parte del éxito y la longevidad de Rickenbacker. Cuando se trata de rock ‘n’ roll y cultura pop, la imagen lo es todo”, manifiesta Kelly, señalando que después de la aparición de los Beatles en el Ed Sullivan Show, el CEO de Rickenbacker, FC Hall fue lo suficientemente inteligente como para viajar a Nueva York para conocer a la banda y brindarles más información.