lunes, 11 de septiembre de 2023

KRAFTWERK Y LA EUROPA DE LOS ‘MAN-MACHINE’

Josep Maria Ganyet

La Vanguardia, 27/08/2023



La construcción de Europa no se entiende sin la tecnología y sus redes. Las vías romanas por las que circularon personas, bienes e ideas llevaron el derecho romano a todos los rincones del imperio. Tampoco se entiende sin la red medieval de caminos de Santiago, una proto-internet que conectaba los servidores de conocimiento de la época; universidades como las de Bolonia, Cambridge, París, Salamanca o el Estudi General de Lleida.

Con el ferrocarril los cambios no sólo fueron de escala; más bienes, más personas y más ideas en una Europa cada vez más pequeña, sino que también cambiaron el tiempo. Los trenes de largo recorrido mantenían tres horas: la de la estación de salida, la de la llegada y la del tren. La red telegráfica los convirtió en una sola. La Europa de los trenes es también la Europa de los cafés: nodos de una red de intercambio cultural y político en la que nacen, crecen y se reproducen los valores europeos.

Si cerramos aún más el foco llegaremos al siglo XX, al automóvil y la omnipresente red viaria. Cambiamos el entorno para adaptarlo al nuevo medio y entonces es el nuevo medio quien nos cambia a nosotros: nos compramos un 600, alquilamos un pisito en la playa y llegan las suecas. Más construcción europea. La Europa actual no se entendería sin el SEAT 600, la FIAT 500, el Renault 2CV, el Volkswagen escarabajo.

Quien mejor ha glosado esta construcción europea basada en la tecnología ha sido el grupo de música alemán Kraftwerk. Nacido en 1968 en Düsseldorf, son los creadores de un sonido electrónico robótico inconfundible que cambió la música para siempre. Provenientes de la región industrial del Rur y nacidos en la posguerra decidieron prescindir de los referentes de la cultura anglosajona y crear una nueva música popular. No les quedó otra que retroceder en el tiempo y recuperar todos los sueños que el nazismo había destruido: el movimiento Bauhaus y el expresionismo alemán. Los miembros de Kraftwerk nunca se han definido como artistas o músicos sino como trabajadores de la música. Consideran su música industrial electrónica como música popular, el sonido del entorno industrial en el que crecieron.

Idolatrados por David Bowie, Iggie Pop y Michael Jackson su influencia ha sido definitiva en el nacimiento del hip-hop neoyorquino, el new wave británico, el tecno de Detroit, el house de Chicago, el italo-disco, el tecno-pop japonés o el euro-dance. Son los padres de la música electrónica y los padrinos de incontables géneros musicales. Los que sean fans ya saben que son más influyentes que los Beatles, los que no, ya caerán del caballo.

Kraftwerk ha sido revolucionario en muchos aspectos: la utilización de sintetizadores cuando todo el mundo utilizaba guitarras; cantar en alemán cuando aún era percibido como nacionalista; las actuaciones estáticas en vez del movimiento frenético y el sudor imperante; su estilo andrógino frente al de los machos peludos del rock; y sobre todo la oda permanente a la tecnología y el progreso en lugar de cantar a la paz, los pajaritos y el amor hippie. Pero en el marco de la geopolítica de la construcción europea y con la perspectiva del tiempo —55 años de carrera— su obra adquiere aún mayor relevancia.

Autobahn es el tema que en 1974 les propulsó hacia el estrellato. De 22 minutos y medio de duración (todo lo que permitía el vinilo) es un viaje sónico por las Autobahn alemanas, con motores, claxon, aceleraciones de ritmo, pasos a nivel y música en el radio-casette. Un viaje hacia la libertad sin límite de velocidad. Le recomiendo que la ponga en el coche mientras conduce por la autopista, si es en Alemania, mejor.

De 1976 es Trans-Europe Express, una oda a los grandes viajes en tren (en primera, eso sí), a la velocidad y a los paisajes cambiantes de una Europa en construcción política y tecnológica. El ritmo mecánico, la percusión minimalista y los efectos doppler nos sitúan dentro de un tren de la red transeuropea de ferrocarril. La escasa letra nos lleva a un encuentro en los Champs-Elysées, a una parada en Viena para tomar un café y a la llegada a su Düsseldorf natal. No la escuche si viaja en cercanías.

Cronistas de la tecnología y visionarios a partes iguales llegaron al cenit de ambas con el álbum Computer World de 1981. Conceptual como los anteriores, habla del impacto de la computación en la sociedad años antes de que llegaran los ordenadores personales. La versión en alemán del tema Computer World dice el equivalente a: “Interpol y Deutsche Bank, FBI y el Scotland Yard/DGT y la Policía Criminal Federal, tienen nuestros datos”. Ralf Hütter, uno de los fundadores de Kraftwerk decía: “Ahora que ha sido penetrada por la microelectrónica, toda nuestra sociedad está informatizada y cada uno de nosotros es almacenado en algún punto de información por alguna empresa u organización, almacenado en números”. Capitalismo de vigilancia en 1981, antes de los ordenadores, de internet y de los móviles.

El álbum Man-Machine es de 1978 e inmediatamente anterior a Computer World. El álbum es una declaración de intenciones ya desde la cubierta tipográfica de inspiración soviética al estilo de El Lissitzky, que por cierto sale a los créditos del álbum. El disco abre con The Robots donde los miembros del grupo se reivindican como robots en el sentido original del término: como trabajadores infatigables que nos ayudan en nuestras tareas más prosaicas, en su caso en la de hacer música popular. Para su lanzamiento crearon unos robots a imagen de cada uno de los miembros a los que presentaban en ruedas de prensa y a los que hacen actuar en directo para gran deleite de grandes y pequeños.

El disco culmina con el celebrado Man-Machine, un ejercicio intelectual que explora la idea de Nietzsche del Superhombre; una visita a la idea de cómo la tecnología amplía nuestras capacidades. Ralf Hütter decía en una entrevista que ellos tocaban las máquinas pero que las máquinas también les tocaban a ellos, que no las trataban como esclavas sino como colegas. Era 1978, no había internet, ni ordenadores personales, ni web, ni móviles, ni redes sociales ni inteligencia artificial. Escuchen Kraftwerk. También su música.

domingo, 10 de septiembre de 2023

'MORRISON HOTEL', LA ODISEA LISÉRGICA Y CONTRACULTURAL DE THE DOORS LLEGA AL CÓMIC

Nacho Serrano

ABC, 31/09/2023



Varios dibujantes han unido su talento en una serie de relatos gráficos que viajan a los días de la creación del álbum, con guion de Leah Moore (hija de Alan Moore)

Entre los muchos debates encendidos recurrentes acerca de los Doors, uno de ellos es, naturalmente, el de cuál es su mejor disco. Y lo cierto es que a pesar de la mística de sus trabajos sesenteros, 'Morrison Hotel' (1970) parte con ventaja en la discusión porque tiene buenas canciones, es coherente, la banda había madurado, y con permiso de los amantes de 'LA Woman', es el último gran álbum que grabó Jim Morrison.

Sobre esta grabación se han escrito ríos de tinta, pero no dibujado. Por eso, la novela gráfica 'Morrison Hotel' es una pequeña joya para los fans y los coleccionistas. Dividido en relatos cortos que gravitan alrededor de cada una de sus once canciones, el cómic recorre los días de la creación del disco, así como la influencia que el grupo californiano tuvo como arquitecto de la contracultura de los años sesenta en la Norteamérica donde los colectivos juveniles luchaban por la igualdad y se unían en protesta contra la Guerra de Vietnam, en un movimiento antibelicista cuya banda sonora tiene a The Doors como pieza esencial e ineludible.

Con guion de la británica Leah Moore (hija del maestro del cómic Alan Moore) en colaboración con los miembros supervivientes de The Doors, las viñetas corren a cargo de laureados dibujantes de la escena internacional del cómic: el italiano Armitano, el griego Vasilis Lolos, la galardonada artista francesa Marguerite Sauvage y los norteamericanos Tony Parker, Collen Doran (muy reconocida por su biografía gráfica de Stan Lee de Marvel Comics), Ryan Kelly o la multipremiada Jill Thompson (afamada por el 'Wonder Woman' de DC Comics), entre otros.

Sobre esta grabación se han escrito ríos de tinta, pero no dibujado. Por eso, la novela gráfica 'Morrison Hotel' es una pequeña joya para los fans y los coleccionistas. Dividido en relatos cortos que gravitan alrededor de cada una de sus once canciones, el cómic recorre los días de la creación del disco, así como la influencia que el grupo californiano tuvo como arquitecto de la contracultura de los años sesenta en la Norteamérica donde los colectivos juveniles luchaban por la igualdad y se unían en protesta contra la Guerra de Vietnam, en un movimiento antibelicista cuya banda sonora tiene a The Doors como pieza esencial e ineludible.

'Morrison Hotel' revive la motivación artística del disco, recreando cada una de las canciones en un ejercicio que combina imaginación y rigor periodístico, pero además repasa el contexto cultural y social al que pertenece: la convulsa escena contracultural estadounidense. Las páginas arrancan con el proceso judicial a Morrison por exhibicionismo y llegan hasta la sesión de fotos que terminó dando una de las portadas más icónicas de la historia del rock, un alucinante viaje que tiene como telón de fondo el trasvase del espíritu libre de los años sesenta a los tumultuosos setenta, evidenciando la influencia que The Doors tuvo en buena parte de aquel universo.

El episodio 'Roadhouse Blues' transporta al lector a un concierto salvaje en el Topanga Corral (en el cómic rebautizado igual que la canción), el local de conciertos de Malibú que inspiró a Jim para escribir la letra. 'Waiting for the sun' ubica al cantante en una onírica odisea griega, y 'You make me real' lleva la historia hasta los legendarios estudios Sunset.

La efervescencia del movimiento pacifista queda fabulosamente retratada en el episodio 'Peace Frog', que narra los terribles sucesos del campus de Berkeley, donde varios estudiantes fueron asesinados por el ejército enviado por el gobernador Ronald Reagan; y la cara A del repertorio se cierra con 'Blue Sunday' y 'Ship of fools', donde los ilustradores se sumergen en las hazañas sexuales y las aventuras psicodélicas de Morrison.

'Land ho!' se adentra en los horrores de la guerra y sus consecuencias sociales, 'The spy' muestra el lado oscuro del sueño americano que vivieron las mujeres de la época, y 'Queen of the Highway' en una bonita ensoñación coprotagonizada junto a John Lennon y Little Richard. La preciosa 'Indian Summer', incomprensible descarte de las primeras grabaciones del grupo, se transforma en viñetas de efluvios lisérgicos y misticismo hindú; y 'Maggie M'Gill' vuelve a Vietnam antes de que el libro se despida con la divertida historia de la famosa foto de la portada del disco.

Encuadernado en tapa dura con 160 páginas a color, incluye un prólogo del guitarrista de The Doors, Robby Krieger, y otro del propio traductor, Kike Babas, veterano crítico musical con una amplia bibliografía a sus espaldas (Los Rodríguez, Leño, Manu Chao, etc). «'Morrison Hotel' llegó en el momento ideal para The Doors», asegura Krieger en su texto. «Jim estaba de juicios por el incidente de Miami, así que no podíamos salir de gira. Habíamos terminado nuestro álbum más difícil de grabar, 'The Soft Parade, que supuso mucho trabajo porque estuvimos intentando mantenernos a la altura de The Beatles y decidimos incorporar una sección de cuerda y metales. Salió genial, con 'Touch me' encabezando las listas de éxitos, pero hacerlo nos llevó una eternidad. Morrison se aburría y se iba a beber, así que era imposible grabar bien la voz hasta el día siguiente. En 'Morrison Hotel', la banda decidió hacer exactamente lo contrario. «Decidimos divertirnos, hacerlo sencillo y bluesero».

martes, 5 de septiembre de 2023

OAR, SOMBRAS Y LUCES DE «SKIP» SPENCE

 Ignacio Pulio

El Barco de Cristal, 23/12/201


En junio de 1968, poco después de una actuación en el Fillmore East, a Alexander Lee «Skip» Spence –miembro fundador de Moby Grape– se le cruzaron los cables. Puesto de ácido hasta la médula, tomó un hacha de incendios del hotel Albert de Nueva York –donde se hospedaba con su banda- e intentó agredir sin éxito a sus compañeros, el guitarrista Jerry Miller y el batería Don Stevenson. Acto seguido, se trasladó a los estudios de la CBS con la intención de asaltar al productor David Rubinson. Tras ser reducido y detenido por la policía, fue conducido al infame complejo de detención de Manhattan -conocido popularmente como «The Tombs»- y, posteriormente, al centro hospitalario de Bellevue, donde estaría internado los siguientes seis meses.

El abuso del LSD, alcohol y otra suerte de sustancias habían pasado factura a «Skip» Spence, quien fue diagnosticado con esquizofrenia. El talentoso músico de la costa Oeste se había convertido en otra de las destacadas víctimas de la época dorada de la psicodelia. Su nombre permanece asociado desde entonces al de Syd Barrett (Pink Floyd) y al de Roky Erickson (The 13th Floor Elevators), quienes también pagaron un alto peaje como fruto de sus escarceos con los psicotrópicos.

A lo largo del medio año que duró su internamiento, «Skip» Spence escribió varias canciones que con posterioridad formarían parte de su minimalista y personal trabajo «Oar» (Columbia, 1969), álbum denostado en su época por la propia discográfica y cuya valoración se ha incrementado exponencialmente con el paso del tiempo.

Cuenta la leyenda urbana que, cuando «Skip» Spence recibió el alta hospitalaria, se subió a su moto y se dirigió directo a Nashville con el objeto de grabar el que sería su único disco en solitario. Lo cierto es que este episodio nunca sucedió. Cuando Spence pisó la calle de nuevo, su productor, David Rubinson, consideró oportuno grabar las composiciones en las que el músico había estado trabajando durante su tratamiento antipsicótico a base de torazina. A tales efectos, Rubinson propuso a Columbia la grabación de un LP en los que estudios que la compañía poseía en Nashville.

La decisión de grabar en Nashville había sido sopesada con antelación por Rubinson. Y es que en los estudios de Tennessee trabajaba por aquel entonces Mike Figlio, un ingeniero conocido por su desbordante paciencia. «Skip» Spence –que produciría su propio álbum- se mudó a Nashville con el objeto de volver a trabajar de inmediato. Confiaba en que el regreso a los estudios le ayudase a superar el bache.

Rubinson fue tajante en sus indicaciones. Señaló a Figlio que debería de grabar todo y cuanto aconteciese en el estudio. Del mismo modo, decidió evitar su presencia en Nashville con el objeto de no interferir en el proceso creativo del músico. La grabación de «Oar» fue llevada a cabo entre los días 3 y 12 de diciembre de 1968. «Skip» Spence, que se ocupó de todos los instrumentos, contó para ello con un grabador de tres pistas.

Una vez finalizado el trabajo, «Skip» Spence entregó a Rubinson las cintas convencido de que tan sólo serían utilizadas como simples demos. No obstante, las pretensiones de Rubinson fluían por otros cauces y «Oar» salió a la luz el 19 de mayo de 1969. Columbia se desvinculó por completo de la promoción del álbum y, a pesar de las plegarias de Rubinson, resultó ser un estrepitoso fracaso comercial. Fue retirado del catálogo de la discográfica apenas un año después.

La negligencia o la simple desidia de la discográfica condenaron a «Oar» al más absoluto de los ostracismos. El álbum había sido grabado en unas condiciones que distaban mucho de las impuestas por una gran compañía como Columbia, donde, por norma general, priman los intereses comerciales frente a las libres manifestaciones artísticas surgidas de lo más profundo del alma, como es este el caso. Haciendo gala de una reseñable estrechez de miras, Columbia prefirió esconder en lo más oscuro de sus armarios el que, sin lugar a dudas, es uno de los trabajos más sinceros del folk-rock de la segunda mitad de los sesenta y la cima de la carrera musical de «Skip» Spence.

«Oar» no sólo refleja estado mental de «Skip» Spence, se trata de un álbum donde se pone de manifiesto el genio creador del músico que también había sido artífice de alguna de las mejores composiciones de Moby Grape, como por ejemplo la magnífica «Omaha». «Oar» es delicado, de una fragilidad cristalina que versa entre el minimalismo, la vanguardia, el folk y el country.

Las luces y las sombras de su artífice se condensan en letras de evocador misticismo y de un dolor desgarrador, un llanto casi susurrado por momentos y acompañado por una música en ocasiones tan sólo interpretada por una batería y un bajo. La temática de sus cortes, que oscilan entre el amor -como es el caso de las baladas country «Broken heart», «Dixie peach promenade» o «Cripple Creek»- y la sátira de otros como «Lawrence of Euphoria» o «Margaret-tiger rug», supone un viaje a lo más profundo de la mente de «Skip» Spence salpicado por mensajes cuya auténtica interpretación –en muchos de los casos- sólo está al alcance del autor.

«Oar» contiene una serie de cortes que se precipitan a abismos repletos de matices atendiendo a las pulsiones más primigenias de la genialidad de Spence. Tal es el caso de canciones como «Little hands», «War in peace», «All come to meet her» «Grey/Afro» o «Book of Moses», tema acompañado por efectos sonoros y que recuerda a las viejas canciones de trabajo, antecesoras del blues. «Weighted down» o «Diana» dejan entrever al Spence más melancólico, un hombre de gran talento atrapado por sus propios fantasmas.

«Oar» ha sido re-editado en varias ocasiones. En 1991 fue re-mezclado por completo y publicado en CD por Sony Special Products. Esta edición incluye cinco cortes nuevos: «This time he has come», «It’s the best thing for you», «Keep everything under your hat», «Furry heroine» y «Doodle». Una posterior re-edición en 1999 a cargo de Sundazed utilizó de nuevo las cintas originales y añadió cinco cortes más a los ya incluidos en su momento por Sony: «Givin’up things», «If I’m Good», «You know», «Fountain» y «I think you and I».

Tras la insípida repercusión de «Oar», «Skip» Spence colaboró tímidamente en el quinto álbum de Moby Grape, «20 granite creek» (Reprise, 1971) y en el directo «Live Grape» (Reprise Records, 1978). El resto de sus días estuvieron marcados por la adicción a la heroína y a la cocaína, el alcoholismo y la indigencia que le llevó a vagar por San José y Santa Cruz, en California. El 16 de abril de 1999, falleció a falta de dos días para cumplir cincuenta y tres años de edad como consecuencia de un cáncer de pulmón.

A penas tres meses después de su fallecimiento, salió al mercado «More Oar: A tribute to the Skip Spence album» (Birdman, 1999), un disco de tributo en el que participan, entre otros, artistas de la talla de Robert Plant, Mudhoney, Beck o Tom Waits. El álbum incluye el tema inédito «Land of the sun», un descarte que debería haber sido incluido en el recopilatorio «Songs in the key of X» (Warner, 1996), dedicado a la serie televisiva «Expediente X».



miércoles, 30 de agosto de 2023

40 AÑOS DE THE GLOVE, LA AVENTURA DE ROBERT SMITH Y STEVEN SEVERIN

Manuel Pinazo

Muzikalia, 29/08/2023

1983 fue un año convulso dentro de The Cure. La banda, que parecía condenada a la desaparición, se resquebrajaba tras la intensa gira de Pornography -que terminó con Simon Gallup fuera del grupo- y con un hastiado Smith enrolado como guitarrista en Siouxsie & the Banshees. Fue entonces cuando el bajista Steven Severin le propuso retomar su actividad conjunta (ambos llevaban tiempo colaborando). Decidieron nombrar su proyecto The Glove, en referencia a un guante volador gigante llamado «murder mitten» que pertenecía a un policía corrupto llamado Blue Meany en la película animada de The Beatles de 1968 Yellow Submarine.

Una aventura que en principio iba a generar tan sólo un EP, pero el dúo comenzó a dar muestras de una gran capacidad creativa grabando 15 canciones en apenas tres días. Y así nació Blue Sunshine, su único LP editado en agosto de 1983, en el no pudo cantar Robert Smith ya que tenía firmado un contrato con su manager Chris Parry, que impedía poner su voz a cualquier disco que no fuera de The Cure, aún así le convencieron hacerlo en dos de las canciones siempre y cuando no fueran lanzadas como single. Decidieron contar con una cantante y la elegida fue la por entonces novia de Budgie, Jeanette Landray, una bailarina sin experiencia que trabajaba en Top Of The Pops dentro de un colectivo llamado The Zoo.

Blue Sunshine, que también contó con colaboradores como el futuro (y efímero) batería de The Cure Andy Anderson, fallecido en 2019, es un recomendable artefacto de tecnopop psicodélico. Un viaje lisérgico inspirado en varias películas de serie B en el que los ecos de Syd Barrett y los ambientes de la época. La producción, a cargo de Smith, Severin y Merlin Griffiths, se caracteriza por su atrevida yuxtaposición de elementos sonoros. Las pistas del álbum abrazan una amalgama de géneros, desde el rock siniestro hasta tintes de psicodelia y sintetizadores exuberantes. Este coctel musical se ve complementada por las letras, que oscilan entre lo enigmático y lo inquietante, a menudo tocando temas relacionados con la alienación, la desorientación mental y el vértigo emocional.

The Glove trasciende su estatus como mero proyecto colateral, presentando una perspectiva singular y aventurera de dos figuras fundamentales en la escena post-punk británica. Más allá de su recepción comercial modesta en su momento, el álbum ha ganado una apreciación renovada a lo largo de los años, siendo reconocido como una cápsula del tiempo que captura la efervescencia artística y sonora de su época, así como la búsqueda personal y creativa de sus protagonistas. Cabe destacar que este trabajo discográfico también se originó en el contexto de una etapa de redescubrimiento personal para Robert Smith, marcada por su experimentación con sustancias psicoactivas, lo cual, de una forma u otra, influyó en la dirección creativa del proyecto.

The Cure estaban por entonces a medio reconstruirse, tras la edición de los singles de tecnopop «Let’s Go To Bed» y «The Walk» y sus correspondientes caras B (poco después de The Glove grabarían «The Lovecats»), Smith participaría activamente en la gestación de Hyaena (1984) de Siouxsie & The Banshees componiendo, tocando la guitarra y el teclado. Algunas de las canciones sobrantes de The Glove terminarían formando parte del siguiente disco de The Cure, The Top (1984) como «Dressing Up». Una de las pocas apariciones televisivas del proyecto tuvo lugar en el programa musical de The Riverside ( BBC2, UK TV, 24 de octubre de 1983) grabada en el museo del vapor junto al puente de Kew sobre el río Támesis en el oeste de Londres. El grupo se complementó aquí con dos miembros de The Cure en ese momento, Andy Anderson en la batería -que como decíamos tocaba en el disco- y el guitarrsita Porl Thompson en los teclados.

El sencillo «Punish me with kisses» fue lanzado el 18 de noviembre de 1983 y alcanzó el puesto 97 en las listas Top150 Singles del Reino Unido. Una canción inspirada en la «novela pulp» del mismo nombre de William Bayer publicada en 1981. Como decían sus protagonistas en las entrevistas de la época estábamos ante 12 canciones que parecían de 12 grupos diferentes que desde entonces a nuestros días, sonarán familiares a los fans de los Banshees y The Cure y quizá algo menos accesibles para el resto. Ahí estaban «Like an Animal», que irrumpía con su ritmo hipnótico y voces distorsionadas, transmitiendo una sensación de desarraigo y confusión. O piezas como la bailable y ondulante “Sex-Eye-Make-Up”, que chocaban con la pesadilla pop de «Mr. Alphabet Says» -con la voz de Smith– o la cacofonía sombría de «Orgy».

Otro de los temas cantados por Smith, la casi futurista “Perfect Murder”, se encuentra entre lo mejor del conjunto, que también cuenta con dos instrumentales, el tono ambient de la fantasmal «A Blues In Drag» y la locura lisérgica de «Relax», utilizada para abrir algún concierto de la gira de 1986 de The Cure, como ese mítico documento llamado In Orange grabado los días 8, 9 y 10 de agosto en el francés Théâtre antique d’Orange.

El álbum, que fue reeditado en 2006 en una Deluxe Edition que recogía un segundo CD con todas las canciones cantadas por Smith, ha quedado para la historia como un esfuerzo artístico escapista y al mismo tiempo introspectivo, yaciendo en la intersección de la psicodelia y oscuridad que forma parte del legado musical de ambos artistas.



lunes, 14 de agosto de 2023

THE CLASH: EL ESPERADO RESCATE DE LA CURIOSA PELÍCULA SOBRE «LA ÚNICA BANDA QUE IMPORTA»

Daniel Flores

Rolling Stone, 08/08/2023


Mezcla de rockumental con ficción, Rude Boy es un testimonio imperdible de la gran banda punk británica, ahora disponible en la plataforma Mubi

Las debilidades de este híbrido entre el rockumental y la ficción protagonizado por The Clash están a la vista. La película dirigida por Jack Hazan y David Mingay, estrenada en 1980 y ahora disponible en la plataforma Mubi, es un proyecto con alto grado de inconsistencia, improvisación gratuita, situaciones fallidas y amateurismo sin rumbo.

Sin embargo, las virtudes del film son todavía más ostensibles. Rude Boy capturó como ningún otro registro a los entrañables The Clash al pico de sus funciones en 1978, alrededor de los días en que trabajaban en su segundo disco, Give ‘Em Enough Rope. No sabemos si por entonces Londres realmente se incendiaba, como proclamaban el uno de sus singles emblemáticos, pero Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon y Topper Headon defintivamente estaban en llamas, a juzgar por las imágenes.

Si aún hoy a los Clash se los venera como “la única banda que importa”, seguramente es en parte por lo que se aprecia en esta película: un grupo que, con apenas dos años de formarse, en vivo explotaba con una combinación de energía punk, personalidades desatadas y canciones ignífugas, capaces de reflejar el agitado clima de época, e incluso de ayudar a caldearlo un poco más. “London’s Burning”, “White Riot” y “Police and Thieves” más que la banda de sonido de Rude Boy componen un soundtrack para las emergentes protestas sociales a fines de los 70, plena era de Margaret Thatcher, en Inglaterra.

Pero la película no es un documental sino una singular especie de ficción. A medias. ¿De qué se trata? Es un poco difícil decirlo, no porque la trama contenga ninguna complejidad -nadie podría acusar a Hazan y Mingay de plagiar a Bergman o Truffau-. Digamos que Rude Boy sigue los pasos (literalmente, la cámara parece perseguirlo en sus derivas urbanas) de Ray (Ray Gange), un fan de The Clash que trabaja en un pequeño local de venta de material pornográfico en el Soho londinense. Sin duda se trata del rude boy del título, aunque curiosamente nada tenga que ver con los rude boys a los que los propios Clash les cantaron, es decir los chicos con gusto por la música jamaiquina, tendencia a meterse en problemas y una forma de vestirse heredera tanto de los mods de los 60 como de sus ídolos del reggae y el ska. Ray es más bien un punk tan profundamente desorientado con su vida que ni siquiera está seguro de todo lo que canta su banda favorita (y se los plantea en la cara), muy en particular de sus proclamas de izquierda, con las que parece confundido y en desacuerdo. Eventualmente, Ray consigue trabajar como plomo para The Clash, lo cual dispara no muchas, pero sí algunas situaciones personales, siempre con el telón de fondo de las tensiones sociales en la capital británica, con las que Ray tampoco es que se involucre más de la cuenta, en todo caso resulta víctima del abuso de autoridad policial, aunque no por lanzar piedras en ningún white riot.

Pero no importa la pobreza del planteo, incluso la ausencia de guion (los diálogos entre Ray y los músicos son claramente improvisados). Cada vez que se transforma en documental, exhibiendo a una banda irrepetible tanto en vivo como en estudio, Rude Boy es un testimonio invaluable.

Y no solo porque los Clash fueran buenos. Lo llamativo es que, si por un lado la producción es extremadamente austera en los recursos y también en la resolución, las tomas en directo, por el contrario, tienen una calidad notable, tanto visual como sonora (parte de lo que se escucha fue regrabado y post producido en estudio, pero el producto final lo lo sufre), muy por encima, lejos, de cualquier otro fílmico del punk clase 76/77. Entre los pasajes más espectaculares, hay que mencionar la participación de The Clash en el festival antifascista Rock Against Racism, en Victoria Park, el 30 de abril de 1978, atronando “White Riot” junto un sacado Jimmy Pursey, voz de Sham 69 (entre las contadísimas apariciones estelares están también la periodista Caroline Coon y el verdadero asistente de la banda Johnny Green). Un concierto histórico, en la vida real, que acaba en cierto tumulto a un costado del escenario, aparentemente ficcionalizado, que no se termina de entender.

Otros momentos destacados son los de Strummer grabando “All the Young Punks” y Jones haciendo lo propio con “Stay Free” (una de sus grandes canciones pop), al igual que las conversaciones de ambos con Ray. A Joe lo vemos tratando de adoctrinar al plomo (en más de un sentido del término) mientras que Mick no disimula su antipatía. Detalle que, según quienes relataron el detrás de escena, no tenía nada de impostura. De hecho, cuentan los historiadores del punk británico que los Clash no estuvieron en nada de acuerdo con la marcha de la película y que boicotearon su estreno. En el caso de Mick Jones esto es evidente incluso en la pantalla (durante un set en vivo, llega a echar a Ray del escenario con un grito que no parece guionado).

Como sea, Rude Boy es historia. Su crudeza, incluso la impericia en su realización, el errático rumbo del proyecto, quizás con el tiempo se haya transformado en su fortaleza para mostrar a la única banda que importa de la manera que más importa: rompiéndola en vivo.