MUERE VIVIENNE WESTWOOD, LA MUJER QUE VISTIÓ A LOS SEX PISTOLS

Lluis Fernández

La Razón, 29/12/2022 

Fue la mítica fundadora de la tienda SEX en Londres y sin ella es imposible entender la cultura musical de los 70

La moda inglesa tiene a dos de las más influyentes diseñadoras de moda del mundo: Mary Quant y Vivienne Westwood, que murió ayer. La primera creó la minifalda en los vitalistas años 60, en el «Swinging London», y la segunda en los depresivos años 70, inventó la moda punk y su evolución en la New Wave neorromántica a partir de 1981 con su colección «New Romantic». Sin ellas es imposible entender la cultura pop y los cambios drásticos musicales de las tres décadas finales del siglo XX. Todo comenzó en el Londres, a comienzo de los años 70, cuando Vivienne Westwood y su socio Malcolm McLaren montaron una tienda de camisetas y parafernalia S/M en la calle King’s Road de Londres con el provocativo nombre de Sex. Este espíritu transgresor lo importó Malcolm McLaren de la estética de cuero sadomasoquista neoyorquina, mezclada con el gay power de Mark Bolan y David Bowie. Fue productor y publicista del grupo New York Dolls y a su vuelta a Londres cambió el nombre y la estética rockabilly de la tienda, por entonces llamada Let it Rock por el transgresor de SEX.

Fue a partir de 1975 cuando la tienda comenzó a crear camisetas con eslóganes insultantes, inspirados en los movimientos radicales feministas y gay, como el famoso «Contra violación, castración» del manifiesto de Valerie Solanas, la feminista que le disparó a Andy Warhol y casi lo mata. Por la tienda comenzaron a pasar jóvenes que buscaban un nuevo estilo musical y encontraron en Vivienne Westwood la diseñadora perfecta para disfrazarlos con chupas de cuero negro repletas de tachuelas, tirantes y pantalones con imperdibles y camisetas provocativas.

La tienda estuvo atendida en sus inicios por Chrissie Hynde, la cantante de Pretenders, y por Siouxsie, que posteriormente crearía su grupo musical con The Banshees. Uno de los primeros en pasar por SEX, atraído por la estética sadoca de la tienda fue Johnny Rotten, que buscada desesperadamente crear un grupo con tres amigos: Steve Jones, Glenn Matlock y Paul Cook. Llevaba el pelo teñido de verde y una camiseta que ponía «I Hate» (te odio). MacLaren le propuso lanzarlos a la fama con el nombre de Sex Pistols y Vivienne Westwood los fue vistiendo con sus modelos de estética rupturista punk.

A partir de los conciertos de los Sex Pistols, Viviene Westwood comenzó a utilizar, mezclado elementos clásicos británicos, los tartanes escoceses, con motivos fetichistas, alfileres, imperdibles, cadenas, hojas de afeitar , pinchos, collares de perro y la variedad de pelos en punta teñidos de colores. Una estética urbana antisocial y provocadora. Vivienne Isabel Swire, (Vivienne Westwood), nació el 8 de abril de 1941 en Tintwistle, Inglaterra. Westwood estudió joyería en el Harrow School of Art y el Trent Park College. Estuvo casada con Derek Westwood hasta que conoció a Malcolm McLaren.

Tuvieron un hijo y montaron la tienda de ropa de segunda mano Let it Rock en 1971, renombrada SEX en 1975. Ella fue, además de la creadora de la moda punk, la diseñadora de la moda de los grupos románticos como Adam & The Ants, Duran Duran y Spandau Ballet, con su primera colección «Pirate». Una moda extravagante, pero de una extraordinaria importancia, en la que mezclaba disfraces dieciochescos, casacas con pantalones bombachos, pañolones y atuendos de bucaneros del mar Caribe. Luego, con los años, Vivienne Westwood se convirtió en una marca de lujo reconocida, siempre en apariencia «anti-establishment» y comprometida con la moda ecológica y el llamado cambio climático. Ha muerto a la edad de 81 años rodeada de su familia en el barrio de Clapham, en el en sur de Londres, añadieron las fuentes. Su marido y socio creativo Andreas Kronthaler dijo: «seguiré con Vivienne en mi corazón. Hemos estado trabajando hasta el final y ella me ha dado muchas cosas para seguir adelante. Gracias cariño».

THE DOORS - LEGENDS (Documental)

CUANDO LOU REED ERA UN ‘FOLKIE’

Ramón de España

Crónica global, 27/12/2022

Los enamorados del artista estadounidense están de celebración con el disco 'Words & Music May 1965', que rescata sus primeros temas, antes de que se conocieran a través de 'The Velvet Underground'

El norteamericano Lou Reed (Nueva York, 1942 – 2013) ha pasado a la historia como una figura ejemplar del rock & roll, pero en sus inicios fue un folkie más, en la estela de Bob Dylan, que interpretaba sus canciones a voz y guitarra, apoyadas esporádicamente por una armónica. Nadie había oído a ese Lou Reed hasta ahora, casi diez años después de su fallecimiento, al aparecer en su oficina una cinta fechada en 1965 que recoge temas que luego utilizaría con The Velvet Underground o para su carrera en solitario, junto a canciones tradicionales y hasta una versión del tema de Dylan Don´t think twice, it´s alright.

Dicha cinta se ha convertido en un disco titulado Words & Music May 1965, que podría haber sido un nuevo intento de hacer dinero a costa del difunto (bueno, algo de eso hay, ¿para qué negarlo?), pero constituye una interesante rareza para los devotos de esa música absolutamente todo lo que grabó (en la portada pone Lou Reed Archive Series Number One, lo que permite intuir que igual aún no se han acabado las sorpresas con respecto a nuestro hombre, recordemos que Jimi Hendrix, por citar un caso extremo, publicó más elepés muerto que vivo).

Aunque las discográficas se dediquen últimamente a promocionar el vinilo para hípsters (formato que cuesta el doble que el CD) y a amortizar hasta la náusea discos con los que llevan años forrándose a base de ediciones trufadas de descartes, conciertos en DVD o siete versiones de la misma canción (véase lo que han hecho con la súper reedición del Hunky Dory de David Bowie, sin ir más lejos), la publicación de Words & Music May 1965 va en una dirección distinta a la usual explotación de material vetusto que representan esas reediciones llenas de añadidos innecesarios y dirigidas a melómanos de la tercera edad.

El rescate de la cinta en cuestión nos muestra a un Lou Reed al que no habíamos oído nunca, a una especie de folkie del Greenwich Village muy alejado del sujeto que fundó a los Velvets unos años después bajo el patrocinio de Andy Warhol. Es un Lou Reed primitivo, rupestre, forzosamente austero, pero que ya se muestra como un compositor formidable.

Cuenta con su compadre John Cale en algunos temas –haciendo coros, generalmente, salvo en Wrap your troubles in dreams, que no aparecería en ningún disco de los Velvets, pero sí en el primero de Nico, Chelsea girl-, pero lo principal es su voz y su guitarra (y a veces su armónica), cantando canciones que nos suenan inevitablemente porque ya las habíamos oído en sus versiones definitivas y canónicas, canciones como I´m waiting for the man,

Heroin o Pale blue eyes, que, desprovistas del bien estructurado ruido de The Velvet Underground, aparecen como sencillas e inocentes folk songs Con Words & Music May 1965 conocemos, finalmente, la prehistoria de Lou Reed y nos hacemos una idea aproximada de quién era antes de ser el Lou Reed que todos conocemos.

Pese a lo rupestre de la grabación, los esfuerzos invertidos en su restauración han arrojado un feliz resultado: es una serie de maquetas de canciones aún por desarrollar, cierto, pero la sensación de cercanía e inmediatez que generan en el oyente las hace especialmente atractivas, pues es como tener en el sofá de tu casa a Reed y Cale cantando en exclusiva para ti. Frente a otras iniciativas que solo pretenden sacarles los cuartos a los pobres desgraciados de una cierta edad que se resisten el encanto de Spotify porque les gusta tener un estuche en la mano mientras escuchan un disco, la de rescatar esas grabaciones que van de 1958 a 1964 supone un añadido de interés para los seguidores del artista (nada que ver con sacarte 130 euros con la mega reedición del Revolver de los Beatles, por poner otro ejemplo tan reciente como el de Hunky Dory).

Pero lo mejor de Words&Music no es que contribuya a la felicidad de los completistas (que también), sino que te pone en contacto con un Lou Reed que no conocías de nada y que ya apuntaba maneras mientras Dylan lo petaba, algo que, a fin de cuentas, nunca consiguió nuestro hombre, ni con los Velvets ni en solitario. Escuchar a alguien que empezaba cuando lleva casi diez años muerto tiene un componente algo mórbido, pero también entrañable, pues captas al futuro mito en sus inicios y compruebas que sus primeros temas no eran meros balbuceos, sino estupendas canciones a las que, tal vez, les faltaba un hervor electrificado (Electricity comes from another planet, cantaría Lou en Inside of your heart). En resumen: una exhumación muy digna de agradecer cuyo principal motivo no es, por una vez, seguir explotando a un cadáver, sino mostrárnoslo como el veinteañero neoyorquino que fue y que, a falta de una banda de acompañamiento, sonaba como un folkie. Hay más casos parecidos. Pensemos en la evolución del folk al rock a cargo de Marc Bolan y su T. Rex.

O en el primer disco oficial de Bowie, donde solo Space Oddity se escapa, y no del todo, al tono folk que planea sobre toda la obra. O en una canción de los primeros Stones como Sitting on a fence. Aunque ya nos sepamos de memoria muchas de las canciones de Words & Music, merece mucho la pena hacerse con este disco, pasando olímpicamente de los tocomochos a costa de Revolver o Hunky Dory: no hay mejor manera de hacerse la ilusión de que tienes a Lou en el salón de tu casa cantando Pale blue eyes exclusivamente para ti. 

LAGARTIJA NICK CANTA LA POESÍA DE BUÑUEL EN UN DISCO QUE ES “MEMORIA HISTÓRICA Y RESISTENCIA”

El Diario, 14/12/2022

El grupo, que revolucionó la música española con 'Omega', recupera la obra escrita del director de cine en un trabajo que mezcla los tambores de Calanda con los ruidos de los proyectores

Pocas imágenes son más emblemáticas e importantes en la historia del cine que la del ojo de Simone Mareuil siendo rasgado por una cuchilla tras un fundido con una nube que corta a la luna en el cielo. Una imagen perturbadora, pero a la vez hermosa. Da igual que sepamos que realmente es el ojo de una vaca, la imagen sigue sacudiendo y removiendo. Es un instante que ya es parte del imaginario popular y cinéfilo. Sin embargo, Luis Buñuel sigue siendo casi un desconocido para una gran parte de la sociedad. Nuestro cineasta más influyente, el único ganador de la Palma de Oro en Cannes, y sin embargo ni se estudia en los colegios ni tiene un alcance popular como sí que han adquirido después otros directores como Berlanga.

De hecho, mucha gente fuera de España cree que Buñuel es francés. Años de exilio, de maltrato, de no reivindicarlo y de no hacer pedagogía han llevado a que la figura del director quede difuminada. La labor del franquismo para destruirlo y emponzoñar su obra tuvo éxito, y solo hay que preguntar en la calle cuántas personas saben decir tres títulos de películas suyas. Por supuesto ni hablar de su poesía, una poesía directa, que golpea. Una poesía que es como la cuchilla de su obra maestra. 

Han sido esos escritos los que Lagartija Nick han utilizado para su nuevo disco, El perro andaluz. Una reivindicación de Buñuel, de su poesía y de su legado en forma de disco ecléctico que mezcla los sonidos andaluces con los aragoneses. Los tambores de Calanda con el sonido de los proyectores de cine. Una mezcla imposible de la banda que parió el fundamental Omega, uno de los discos más importantes de la música en España. Si allí recuperaban a Lorca, aquí lo hacen con el director de cine como también hicieron con Val del Omar, otro desconocido de forma injusta.

Su música es memoria histórica. Es arte contra el olvido, y así lo entiende también su cantante, Antonio Arias. “Es memoria histórica. Es Misión Pedagógica. También es una moneda al aire. También era memoria histórica el disco Crimen, sabotaje y creación, en el que hablábamos de la historia de cuatro maquis que mueren en la ciudad de Granada. Maquis urbanos. La leyenda de esos hermanos está dentro de esa memoria histórica, de esa narración mágica, casi de un surrealismo mágico”, cuenta Arias desde un hotel de Madrid con su inseparable sombrero. De este El perro andaluz dice que es un disco que les ha hecho salir de su “chovinismo”, pero que lo han afrontado “como valientes perros andaluces que se han adentrado en una tierra incógnita” para ver cómo les transforma.

Resistencia al sistema

Lagartija Nick es un grupo contracorriente. Francotiradores en una industria marcada por lo que dictan las radiofórmulas y las grandes compañías. Música blanca, sin aristas ni complejidad que no tiene nada que ver con cada disco que ellos componen fuera de modas. “Tanto en el mainstream, o en la escena, o como se llame, hay una ideología dominante muy peligrosa que habla del vacío. Un vacío absoluto de mensaje. Siempre te están recordando que si no entras ya sabes lo que te pasa, que te vas a quedar como Antoñito Arias, dando rebotes por el espacio y el tiempo. No es que esté castigado, porque si no le importas al sistema tampoco tienes porque atenderlo. Antes hemos dicho memoria histórica, también somos un acto de resistencia, un acto de invocar que podemos encontrarnos en otros sitios, en otras músicas”, dice con franqueza.

Antonio Arias considera que son “poco conocidos”. Algo irónico hablando del grupo que revolucionó el panorama musical con Omega. Ahí otro vínculo con Buñuel. Arias recuerda lo que ocurrió entonces con algo de dolor. “Fue ejemplarizarte. Les dijeron a la gente, si vais por aquí ya sabéis lo que hay. Será muy bonito pero será dentro de 30 años. Hay mucho dolor todavía en mí por la recepción. Fue doloroso, no había por qué ignorarlo de aquella manera. Ahí la vida te ofrece un cambio. Te preguntas qué quieres, seguir soñando que eres una rockstar o ver quién eres en el mundo. Solo lo vas a averiguar haciendo esos trabajos que a ti te representan. Yo siempre he tenido a mi hermano mayor, y yo me molestaba cuando hacía ese tipo de atrevimientos de cantar poesía, y aquí estoy. Tenemos que luchar por nuestra iconografía, porque el tiempo nos dará la razón a los Lagartija y la razón nos dará tiempo para hacer alguno más”, asegura.

“Lo de la pasta es así desde los años 80. Siempre con los dineros. Y tú dices 'sí, pero esto es una carrera a largo plazo. Con quien me tengo que sentir bien es conmigo mismo dentro de 30 años'”, añade y cuenta que alguna vez sí que hubo tentaciones de pasar por ese aro: “Puede que sea un acto de soberbia querer meternos por el aro a todos y a veces, eso crea frustraciones que no puedes manejar bien. Si me hicieran volver atrás, a Sony al 92, cuando grabamos Inercia, quizás si pensaría, ¿y si me lo monto mejor? Quizás hubiera atendido más al volante, en vez de soltarlo tanto. Pero claro, en aquel momento queríamos ser artistas, y en cuanto entraba el dinero y éramos artistas, pues ya lo que faltaba era drogarse. Pero luego, a través de los años, hay momentos en los que ya ves que tu oficio tienes que llevarlo de otra manera y que no puedes soltar el volante tanto, porque es tu obra, mala o buena, te avergüence o no te avergüence”. 

Este personal proyecto viene de lejos, de una propuesta lanzada por el festival Abycine en 2017. Les invitaron a poner música a imágenes de Buñuel, un reto que “en sí era una provocación, pero era una maravilla”. El director dijo muchas veces que no le gustaba la música en las películas, y por eso Lagartija Nick pensó en buscar sus poemas. Cuando los leyeron, vieron que ahí ya había “una guía de sonoridad” que marcó las líneas maestras del disco. Unas líneas que les llevaron a usar la música de los años 20, con el foxtrot, el charlestón y el jazz como influencias. Una propuesta que se quedó parada tras el evento, pero que con la pandemia recuperaron. Un disco que ha sido “un revulsivo” que Antonio Arias cree que necesitaban. 

El perro andaluz, que presentarán en una gira que comenzará el 17 de diciembre en Bilbao y que pasará por Madrid, Valencia y Barcelona, coincide casi en el tiempo con el proyecto de musicalización que ha hecho Jota, de Los Planetas —grupo de Granada, como Lagartija Nick—, de piezas inéditas de Iván Zulueta. Ambos recuperan el trabajo de directores claves que no siempre han tenido el espacio que merecían, algo que para Arias tiene una explicación: “Parece que Buñuel es algo asumido. Parece un pasado asumido en el que no nos queremos meter porque tiene ciertas aristas, pero esas aristas son infinitamente más divertidas que la religión que las provoca”. 

MUERE TERRY HALL, CANTANTE DE THE SPECIALS, A LOS 63 AÑOS

El País, 20/12/2022

La banda inglesa fue fundamental para la expansión del ‘ska’ con temas como ‘Ghost Town’

Terry Hall, cantante de The Specials, ha muerto a los 63 años “después de una breve enfermedad”, según un comunicado difundido por la banda. Su fallecimiento está siendo recordado especialmente en Reino Unido, donde fueron muy influyentes y vendedores, sobre todo a principio de los años ochenta. Nacidos en Coventry a finales de los setenta, The Specials fueron fundamentales para la difusión del ska, un estilo que adquirió su máximo nivel de popularidad en el Reino Unido con la mezcla de ritmos jamaicanos y estilos como el punk o el pop. The Specials dejaron temas como Ghost Town, A Message to You Rudy o Too Much Too Young.

“Terry fue un esposo y padre maravilloso y una de las almas más amables, divertidas y genuinas. Su música y sus actuaciones encapsularon la esencia misma de la vida: la alegría, el dolor, el humor, la lucha por la justicia, pero sobre todo el amor”. Con este comunicado despedían al vocalista sus compañeros de grupo, que ya tenían contratados conciertos para 2023, con Hall como cantante.

Hall (nacido en Coventry en 1959) se unió a The Specials poco después de que la banda se formara en 1977, reemplazando al vocalista Tim Strickland. Joe Strummer se encargó de dar el primer empujón al grupo al contratarlo como telonero para la gira de The Clash de 1978. Lanzaron su sencillo debut, Gangsters, en 1979, que alcanzó el número 6 en la lista de sencillos del Reino Unido.

Consiguieron su mayor popularidad con Ghost Town, número uno en ventas en su país. La letra, escrita por el principal compositor de la banda, Jerry Dammers, trataba sobre la decadencia urbana inglesa, el desempleo y jóvenes marginados. La popularidad de la canción alcanzó su punto máximo a principios del verano de 1981 cuando estallaron disturbios entre los jóvenes negros y la policía en el Reino Unido en respuesta a la discriminación racista. The Specials gozaron una extraordinaria libertad gracias a tener su propio sello, 2 Tone Records

La letras del grupo durante esa época derrochaban componente social: luchaban contra el racismo, la violencia de género o las políticas ultraliberales de Margaret Thatcher. En España The Specials fueron también influyentes, sobre todo en los grupos de la Movida, pero también en el punk que surgía en los ochenta en el norte. Fermín Muguruza siempre ha confesado que el grupo inglés fue una gran referencia para la formación de Kortatu.